The Move "Looking On" (1970)

Para el tercer disco de los Move cambia la formación. Se marcha Carl Wayne y en su lugar entra Jeff Lyne procedente de los Idle Race, grupo con muchas similitudes con los Move del primer disco y una acusada Beatlemania. Por cierto, que Jeff Lyne había sustituido al propio Roy Wood en los ...su banda pre Move. Jeff Lyne, el hombre que estropearía el ultimo disco (sin contar póstumos) de Roy Orbison con una horrorosa producción, aparte de armarla de similar manera en los Traveling Willburys y en algún disco de Tom Petty, por entonces tenia un currículum excelente. De hecho su material hasta la Electric Light Orchestra (algunos discos de estos también) es muy interesante.

El disco se mueve en terrenos similares a los del anterior "Shazam"(1970) prosiguiendo en esa suerte de hard rock boogie, como si endureciesen el rock & roll clásico sin perder el roll, el ritmo, de este. Abre "Looking on" (Wood) que es un buen ejemplo de esta tendencia de boogie endurecido. Incluye una participacion de un instumento de la invención de Wood: el banjar, mezcla de sitar y bajo y un mini solo con el oboe. A pesar de durar mas de siete minutos no se hace pesada. Como iba diciendo, esto es hard rock, tamizado por incrustaciones de blues, jazz, música clásica barroca y una amalgama de country rock sureño, pero hard rock al fin y al cabo. Eso si, muy trabajado a nivel melodico. Muy alejados se encuentran respecto de su disco de debut.

"Turkish tram conductor blues" (Bevan) se mueve en la misma linea, una mezcla entre Led Zeppelin y Eddie Cochran. Ya que hablamos de esta canción compuesta por el batería, hay que mencionar su labor en este disco (tambien la del bajista Rick Price). Si ya en su debut que era una cosa más beat, más de la época, se mostraba como una suerte de Keith Moon, alejado del tipico batería de la epoca a lo Ringo Starr, aqui demuestra que ha nacido para tocar rock duro.
Las dos canciones de Lyne en este disco nos muestran la enorme influencia que los Move han tenido en bandas como Queen. "What" es un medio tiempo con unas masas corales que anteceden a esos coros tan caracteristicos de Queen y un sonido liquido de la guitarra de Wood que esta soberbio. Atencion a la seccion rapida que introduce con su instrumento. Y "Open up said the world at the door" resume todo el "Queen II" (1975) en siete minutos. Si os acordais del elepe de Queen que menciono, es su obra mas barroca, casi rock sinfonico. La melodia vocal en falsete de "The fairy feller´s master-stroke" (Queen) me recuerda a esta pieza. Por suerte, la de los Move no estan odiosa. Wood tiene espacio para lucirse en la pieza de su colega con su oboe y de meter un solo guitarrero que lleva el tema a ese extraño final con el coro gregoriano y el piano clasico tocado por Lyne.

"When Alice comes to the farm" (Wood) es rock sureño endurecido con piano a lo Jerry Lee Lewis y algun toque descolocante tipico de Wood como son esos fragmentos de chelo tan bien incrustados que aunque sorprenden, quedan feten. "Brontosaurus" (Wood) fue el hit del disco, en su linea de endurecer rock & roll de los cincuenta. Vamos, lo que han hecho Ac/Dc durante toda su carrera pero unos años antes y con mucha más imaginacion. Atencion al dron de bajo y esa guitarra como slide pasada por alguna pedalera de distorsion, persiguiendo a ese piano de boogie sureño. Y para finalizar, tambien de Wood es "Feel to good" que en realidad son dos canciones (es la pieza más larga del disco llegando casi a los diez minutos). La primera es una suerte de encuentro entre los Beatles y algo asi como soul sicodelico. Y la segunda "The Duke Of Edimburgh's Lettuce" un doo wop a capella de Lyne, insertada a modo de coda. No esta mal, pero si se hace un poco larga si no tienes el día de escuchar proto rock sinfonico.

BONUS: Un monton, ya que son diez, mientras el disco solo incluye siete canciones. "Wild tiger woman" (Wood) es una cosa entre Slade, Sweet y Gary Glitter (pero antes, claro). "Omnibus" remite a las sonoridades de su debut. "Blackberry way" es uno de los mayores clasicos de los Move, aparecido solo en single e incluido aqui. Una espectacular produccion de Jimmy Miller para una canción entre los Beatles psicodelicos y/o costumbristas y las nuevas tendencias musicales del momento (hard rock, experimentación, sinfonismo). En "Something" volvemos a encontrarnos con la voz de Carl Wayne demostrando cual era el camino que recorreria en su carrera en solitario: la de emulo de Tom Jones. Una buena canción en todo caso. "Curly" es una encantadora canción que nos devuelve a los primeros Move y que anticipa al Bowie de "Hunky Dory" (1972).
La delicada y casi acustica (lleva hasta una percusión golpeando el bombo de la bateria con la mano) "This time tomorrow" podria pasar por una composicion de Macca. "Lightning never strikes" vuelve a los terrenos del disco pero manteniendo esa mezcla de sonoridades acusticas y electricas como el tema anterio. Y completan los bonus una version en italiano de "Something" y dos tomas maqueteras de "Wild tiger woman blues" y "Curly".

ENLACE DE DESCARGA:
http://rapidshare.com/files/131504523/The_Move_-_Looking_On__Deluxe_Expanded_Edition___2008_UK_Rock_.part1.rar
http://rapidshare.com/files/131507322/The_Move_-_Looking_On__Deluxe_Expanded_Edition___2008_UK_Rock_.part2.rar

Nick Cave "Kicking Against The Pricks" (1986)

Este album de biblico titulo es uno de los mejores discos de versiones que se hayan grabado jamas. Mi favorito junto a "Gonna Take A Miracle" de Laura Nyro. En este disco Nick Cave repasa no solo sus influencias, sino que da una interesante lección de historia de la música popular, evitando en gran medida los lugares comunes y cuando estos se cuelan (Hendrix o la Velvet) lo hacen de manera muy diferente a las destempladas o excesivamente fieles recreaciones a las que estamos acostumbrados .

Comienza con "Muddy Water" una canción del teclista de Free (del "Heartbreaker" de 1973) convertida en un numero minimalista entre Leonard Cohen, Tom Waits o Bob Dylan (ese órgano a lo Al Kooper). Pasamos de una canción dedicada a un bluesman a otro: "I´m gonna kill that woman" de John Lee Hooker. Recreado como la tradición manda, es decir, algo crudo, primitivo y salvaje. Esas voces que se elevan como si fueran los participantes en un rito antillano de vudu, devolviendo el blues a la esencia, lejos de esas edulcoradas versiones para todos los publico que se vendían en los años ochenta. Y Blixa Bargeld mete una guitarra fascinante, creando un fondo enfebrecido para la declaración psicópata de Cave "I don´t care what the people say/ I´m gonna kill that woman, God knows". Tras esto queda gracioso ese "Sleeping Annaleah" de Newbury interpretado por muchos cantantes melódicos (Tom Jones entre ellos). "Long black veil" con un duelo de guitarras entre Blixa (steel) y Hugo Race en la versión de esta balada tradicional irlandesa muy popular entre los estados del sur de Norteamerica (versionada, entre otros, por The Band, Joan Baez, Johnny Cash o los mismos Chieftains).

Lo que hace Nick con el "Hey Joe" es de otro mundo. Su voz grave y sus dotes de interprete convierten la canción en algo muy amenazante. Y la instrumentación es genial con ese dron de órgano burbujeante y la bateria en stacatto (muy típico de las primeras canciones de Roy Orbison en los 60) de Mick Harvey. Y esa sección de cuerda que se va infiltrando poco a poco. Hugo Race también esta magnifico con esas guitarras sucisimas. Esta versión es tan buena como la de Hendrix. Y en "The singer" de Johnny Cash bate sin problemas al maestro. Su interpretacion transpira toda la tristeza del mundo en esta historia de un cantante de segunda, condenado a errar sin destino alguno:

All the truths I tried to tell you

Were as distant to you as the moon

Born 200 years too late

And 200 years too soon

El "Black Betty" de Leadbelly es mucho mejor aquí que en esa horrible versión de unos tales Ram Jam que se popularizo unos años atrás. Parece grabada sobre la marcha, improvisada. Solo se acompañan de la percusion de Harvey. Cave se mete en un brete del que sale airoso al atreverse a versionar el "Running scared" de Roy Orbison, llevandose a su terreno. Donde vuelve a superar al original en esa version acelerada de "All tomorrow´s parties" con unas guitarras desatadas de Mick Harvey y Blixa. Le tengo un especial cariño a la version del "By the time I get to Phoenix" de Jimmy Webb (popularizado por Glenn Campbell) por haberla descubierto en este disco. Una grandisima interpretación, tan buena como la de Campbell y que queda como un guante para alguien como Cave.

Ahora es el turno de una pieza popular que versionaron los Weavers (el grupo de Pete Seeger) y Alex Harvey Band, entre otros, "The hammer song". Vistiendose otra vez de crooner decadente se atreve con el "Something´s gotten hold of my heart" de Gene Pitney (que en esos años volvio a regrabarlo a duo con Marc Almond), una rendición tremenda de un clasico. Y para terminar dos grandiosas versiones, el gospel tradicional (aunque es ligeramente blasfema supongo) de "Jesus met the woman at the well" muy cachonda con esos toques de doo wop. Y para dar el cierre nada mejor que "The carnival is over" de los Seekers que tiene un caracter melancolico que encaja muy bien como despedida.

Por cierto que si a alguno le gustase el disco como para comprarselo, que se espere unos meses, que esta apunto de caer una reedicion con un cd extra.

ENLACE DE DESCARGA:
http://rapidshare.com/files/56008315/pricks.rar

David Bowie "Diamond Dogs" (1974)

Pues tras dos obras maestras como son "Ziggy Stardust" (1972) y "Aladdin Sane" (1973) Bowie sigue moviendose en los mismos terrenos, aunque dando un paso hacia su reinversión en cantante de soul de tintes frios. Mezclando la emotividad del soul con krautrock que desembocaría en su trilogía berlinesa junto a Brian Eno. Un poco como lo que por otro lado estaban haciendo Giorgo Moroder con Donna Summer por ejemplo en su mayestática "I feel love" o posteriormente Prince, en canciones como "The beautiful ones". Bien, pues todo eso ya se encuentra en este disco.

Es también el disco con influencias Orwelianas, que se hacen patentes desde esa introducción que es "Future legend" que nos muestra un Londres futuro en pleno régimen totalitario. La misma música que acompaña el recitado de Bowie tiene un aire post victoriano, de gloria decadente (y un guiño al "Anydaynow" de Bacharach para Chuck Jackson). "...en Ciudad Hambre pulgas del tamaño de ratas pican a ratas del tamaño de gatos...cualquier día de estos, en el año de los Perros de Diamante...This ain´t rock & roll/ This is genocide" de esta manera se introduce el rock & roll stoniano (no solo el riff sobre el que se vertebra la composicion, sino los detalles del piano y el saxo parecen escapados de un discos de los Stones) que da titulo al disco. Es una buena canción pero lastrada por la presencia de ese "Rebel, rebel" que se llevo (logicamente) los aplausos de los fans.

La tripleta de canciones que precede son lo mejor del disco junto al popular single: "Sweet thing" con un Bowie dando una leccion de como se debe cantar con esos cambios de tonalidad de los que tanto aprendieron Brett Anderson y miles de emulos más. Eso si, aqui se mueve en terrenos más graves que en la majestuosa "Life on Mars" de solo unos años atras. Parece que ya no es capaz de dar esos cambios de octava tan acrobaticos.

"I´m on your way/ And I´ll steal every moment". El barroco pianista Mike Garzon se cruza con la guitarra del mismo Bowie, que toca siguiendo las lineas maestras de Mick Ronson. Tras ello comienza, de seguido, "Candidate" que muestra los progresos de Bowie con el saxo. Como dice Coque Malla (si, ese, el de los Ronaldos) nadie ha molado tanto con un saxo tocandolo tan mal. La parte de "Candidate" se va acelerando progresivamente hasta desembocar otra vez en el saxo de Bowie, dando paso al "Sweet thing (reprise)" que toma la escructura del principio, pero aun más decadente y gloriosa, con Bowie lanzandose sin red sobre sus registros en falsete. El final instrumental es precioso: Mike Garzon toca algo de sabor clasico y de continuo entra la guitarra de Bowie sonando muy sucia sobre una base ritmica de rock & roll. Se podra decir lo que se quiera sobre los sablazos musicales que ha dado Bowie a todo Cristo que le haya gustado, pero ¿y su capacidad para dar vida a esas referencias en un discurso musical tan poliedrico y de tal calidad?

"Rebel, rebel", como "The Jean genie" de "Aladdin Sane", es totalmente stoniana. Ese riff, la interpretacion de Bowie (sobre todo al final cuando se pone a repetir el estribillo y a imitar los manierismos vocales de un Mick Jagger). Pero es tan buena como "Jumpin´ Jack flash". No es lo unico que tomo a los Stones, pues como algunos sabreis, la misma portada se la robo a los Stones un día que se paso por el estudio donde estos estaban grabando su "Black & Blue" y un ingenuo Jagger le enseño la portada que pensaban poner a su disco. En fin, aun asi hay que reconocer que a Bowie le pega mucho más esa imagen y que este disco le da cien mil patadas al de los Stones.

"Rock´n´roll with me" mantiene ese tono desenfadado de la anterior. Un himno glammy para corear todos juntos en los disco pubs. Que bien toca la guitarra Bowie en este disco y que bien canta. Mike Garzon esta en su linea, o sea, magistral. Es una pena que este hombre no este reconocido como deberia. Es uno de los mejores pianistas que he escuchado y no solo de rock. El hombre tenia su formacion clasica y es que aparte de ser mucho mas virtuoso que petardos como Rick Wankerman (si, otra vez el mismo chiste) o Emerson, tambien sabe darle al rock, permanecer quietecito si la cancion lo exige o probar con el piano electrico: como en la misma "We are the dead" con juego entre una estructura no lineal como la de una canción de musical pero con sonoridades rockeras.

Como os aseguraba al principio, este disco avanza las sonoridades negras que tomaria Bowie ya desde su siguiente disco. "1984" poderosamente influida por "Shaft" de Isaac Hayes. Cuando compre este disco pense que esta canción esconderia un ambiente tenebroso como corresponderia a una adaptación sonora del libro de George Orwell y me sorprendio este funk sinfonico a la manera de Hayes (aunque aqui no son cuerdas lo que escucha, sino un mellotron). Bowie esta glorioso (esos "oooh") y Mike Garzon tremendo con su pianito electrico al que saca deliciosos sonidos como esa especie de sirena policial con que se abre y concluye el tema. Siguiendo con el tema Orwell, "Big brother" que se abre con el sonido de un saxo planeando por la superficie lunar a la manera de sus instrumentales de "Low", mezclando exotismo con melancolia. Luego la cancion en si tiene un aire a "Hair" el musical. Me gusta especialmente cuando aparece ese coro femenino y entra una guitarra acustica y una pandereta. Parece algo entre Phil Spector y el "Wizzard Brew" (1973) de Roy Wood. La cancion esta enlaza, por medio de una guitarra electrica, con la siguiente, "Chant of the ever circling skeletal family" que es una suerte de coda de la primera para finalizar el disco. Que permite al bateria Aynsley Dumbar lucirse con la percusion. ¿Y que demonios sera ese sonido sobre el que el ritmo parece deslizarse? Parece producido con una guitarra, pero a saber.

ENLACE DE DESCARGA:

http://sharebee.com/ed9090bb

Sir Douglas Quintet "Mendocino" (1969)

Pues esto del country rock texano es muy similar en espíritu a la rumba catalana, a los palos más alegres del flamenco o a las jotas aragonesas. Desprende una alegría de vivir a la vez que una tristeza existencial muy emocionante. Doug Sahm al igual que Michael Nesmith, le da cien patadas al omnipresente Gram Parsons. El estilo de Doug es más sencillo y directo que el de Nesmith, al menos en este disco (que cuando le da por rendirle homenaje a Miles Davis tiene su miga) pero es igualmente soberbio. Y esta lleno de detalles sonoros que le convierten en algo de su época y le alejan de una mera recreación de glorias pasadas. Lo que ocurre que el chaval es tejano y eso pesa mucho.

Bien, esta maravilla de disco comienza con la canción que le da titulo al álbum, "Mendocino". Ese órgano feriante os puede recordar en esencia al carácter que recorría el "Veneno" (1977). Ya en "I don´t want" el jolgorio deviene en un baladon sureño. Esa guitarra fronteriza que Ennio Morricone usaba en sus bandas sonoras de spaghetti western. Sahm se marca un solo muy bonito a mitad de canción, muy sencillo, creando variaciones sobre la melodía principal. Tambien se marca un punteo guapo al final, ocupando un canal del estereo. "I wanna be your mama again" no fue versionada por Mott The Hoople en su album de debut como si ocurrio con "At the crossroads", pero sirvio de inspiracion para su propia "I wish I was your mother". Tiene un algo muy viril en la voz de Doug, muy del lejano oeste o digno de la masculinidad de un cantaor flamenco o un torero. Aunque su voz encaje a la perfeccion en temas de inspiracion country, es una voz de soulman. Lo mismo que estan haciendo musicos como Solomon Burke o Joe Simon, es decir, cantar canciones country llevandolas al soul, lo hace el. Aunque con una ligera diferencia: el acompañamiento de Doug es más tradicional (para algo es de Texas). Aunque ojo, en este misma "I wanna be your mama again" mete una guitarra reptante a lo Tony Joe White.

"At the crossroads" es facil de definir: gloriosa. Es curiosa la produccion del disco. Suena a veces muy opaca, sobre todo la voz de Doug que parece raspar como lija y estar grabada lejos de donde suena el resto de instrumentos. En esta cancion podemos escuchar un organo a lo Al Kooper, he incluso en algun fraseo de voz, Doug parece el Dylan de "One of us must know" (de su "Blonde On Blonde"). Pero Dylan nunca podria con esos tonos de soulman desaforado de Doug cuando canta roto con toda la emocion del mundo "Someday a change will come/ And you´ll be beside me one more time/ One more time". Tambien contiene la reivindicacion sureña de "You just can´t live in Texas/ If you don´t have a lot of soul" (fijaros en que sonido más molon saca Doug de su guitarra tras este verso). "If you really want me to I´ll go" es de Delbert McClinton. Ya sabeis, el hombre que enseño la tocar la armonica a Lennon. Es la más floja del disco. Pero no preocuparse "And it didn´t even bring me down" vuelve a elevar el nivel del disco a lo más alto. Aqui participa de manera soberbia Frank Morin con unas lineas de saxo que es imposible no tararear cuando las escuchas. Es una composicion pegadiza y de caracter alegre.

Más orgullo paleto (o redneck) de ese que gusta tanto a personas asilvestradas como el que os escribe en la cachonda "Lawd I´m just a country boy in this great big freaky city". Con un titulo como podeis ver, digno de nuestro baturro universal, Paco Martinez Soria. Cachondeo a raudales y esas conexiones psicotronicas con nuestra musica popular las podeis observar en las imprecaciones de animo que interpela Doug a la banda y al oyente. Y un piano digno de la casa de peor reputacion donde se toque barrelhouse. Ese sano cachondeo se mantiene en la revision acelerada del mayor exito del grupo: "She´s about a mover". Esta cancion habia salido como single en el 66, cuando Doug escucho a los Beatles y dijo "Copon, pero si estos chavales tocan country". El tio ni sabia que eran britanicos hasta que se informo. Asi que se dijo asimismo que un chavalote de Texas podia hacer frente a la invasion britanica el solo. Asi que compuso este rhythm & blues con pinceladas tex mex. No es una composicion muy original por su melodia, ya que segun la escucheis pensareis que la habeis oido bajo otro nombre miles de veces, sino por su indisioncratico ritmo cajun. No muy diferente a mucha de la musica que podias escuchar en aquella epoca en Texas o Louisina, pero si muy original respecto a los ritmos de los discos de rock y ese organo genial de Augie Meyer. Como os dareis cuenta al escucharla la cancion tiene una importante deuda con el "What I´d say" de Ray Charles de quien Doug tomo su estilo vocal, pero al final de cada verso, la progresion armonica es muy diferente al de los doce compases tipicos del blues.

Esta version esta más acelerada respecto a la original. La voz de Doug suena mas tomada que nunca y se casca uno de sus caracteristicos solos al volumen once de su instrumento. Tras avisarnos, eso si, que el chaval aunque rural es educado "...this freaky guitar playing". En "Texas me" se luce con el fiddle (el violin tipico del country) con ese sonido engordado con eco y regrabado en varias pistas. "Oh baby it just don´t matter" cierra el album. La voz es tan ronca y velada (tambien muy soulera) como en "She´s about a mover" pero el ritmo es más duro, más rockero que en cualquier otra pieza del disco. Y se despide con un solo que me recuerda al Robbie Krieger de "Five to one" mezclado con aires a lo Hendrix.

En los extras, aparte mezclas distintas de "At the crossroads" y de "Texas me", tenemos varias canciones ineditas. La mayoria son muy deudoras del Dylan de "Highway 61" y "Blonde On Blonde": ritmos simples donde Doug inserta sus letras rurales. Pero la joya es ese "Sunday sunny mill valley groovy day" una cancion que puede alegrar el dia a cualquiera. Tras ese estribillo delicioso, el organo se marca unas notas que parecen compuestas por Alguero, Santiesteban, Manuel Alejandro u otro genio de nuestra musica lounge. El tipico organo de canción playera pero infinitamente mas acertado y gracioso. Tras los siguientes estribillos el organo es acompañado de la voz cruda de Doug cantando unos "lalalalas" maravillosos. Tambien hay que destacar esos sonidos de guitarra que suena como si fuera una mandolina que el gran Doug saca a su guitarra.

ENLACE DE DESCARGA:

http://sharebee.com/c6087c06

Suede "Dog Man Star" (1994)

Es descacharrante lo de cierta prensa nacional que actua a modo de reflejo de la prensa musical inglesa. Esa que dice de que si usted copia o se influye por los Faces o Rolling Stones es un rockista (barbarismo que solo usan los criticos nefastos, al igual que poppy, por otro lado) descerebrado y cerril en sus gustos. Pero si usted copia algo más britanico (¿?) como pueda ser Bowie o Marc Bolan es un tipo con gusto que pronto (la divina perseverancia) adquirira un estilo propio. En ocasiones, esta misma prensa salta el charco, cuando la mercadotecnia alcanza niveles desopilantes (lo cual habla muy claro tanto de la independencia de los criticos como de su nimio criterio) como es el caso, más o menos reciente, de los Strokes. Grupo que a base de hacer el mismo disco: un mal remedo de Television y otras glorias setenteras de Nueva York (el que compare el finisimo trabajo de un Tom Verlaine con esas guitarras de todo a cien de los Strokes es que no tiene ni idea) ha encontrado "un estilo propio" (sic).

En fin, dicho mal y pronto, que los Black Crowes eran una cosa retro, pero los Suede no. En los dos casos, ambos grupos comenzaron copiando a sus respectivos referentes. Pero lo hacian muy bien los malditos. Tan bien que hasta se les perdonaba.

Otro punto en comun es lo asesinable de sus cantantes solistas. Chris Robinson es un bocazas que primero la soltaba y luego se comia sus palabras. Por ejemplo, lo que dijo de Robert Plant sobre que este no se atreveria a cantar despues de el. Luego acaban siendo meros comparsas de Jimmy Page en un disco en directo tocando las canciones de los Zeppelin, donde Robinson hace de emulo de Plant...bajando las canciones una octava, claro, porque si no, no llega. Y Brett Anderson es poco mejor: que si bisexual que nunca ha tenido una experiencia homo (¿Me diga? Esto es tan creible como lo de un manchego que habla catalan en la intimidad o fumarse un porro sin tragarse el humo) y gilipolleces varias. En fin, que ambos tenian un ego que rianse del de un Morrissey o un Ian MacMulloch. Eso si, hay que reconocer que los dos cantan de miedo y a pesar de ser bastante gilipollas, son talentosos musicos.

En este segundo disco del grupo los Suede encuentran su estilo propio. Bueno, para ser más sinceros, la cosa va más bien encaminada a "porque copiar a Bowie si podemos sablear directamente a sus referentes" (lease, Scott Walker). No obstante, este es un disco soberbio. Aunque es curioso que cuando medio mundo se dedico a fusilar el libro de estilo de Scott (Tindersticks, Divine Comedy, Jack, Nick Cave, Jay Johanson y un monton más) este se descolgase con un disco como "Tilt" (1998) que era una patada en boca a todos sus emulos. Genio y figura.

Es este un disco muy ambicioso, con orquesta de cuerda, metales (bueno, de hecho, en alguna cancion interviene una orquesta sinfonica en pleno) y lleno de esos detalles sonoros que tanto me gustan. Ya digo, canciones a lo Scott Walker interpretadas por una voz más cercana a Bowie (otro emulo de Scott, , cantante de Divine Comedy, a pesar de tener un falsete tan apto como el de Brett, en los tonos graves se acerca más a Walker), junto al glam rock (otra vez Bowie y Bolan) del anterior disco. Tambien como influencia menos detectada se puede observar cierto paralelismo al "Around The World In A Day" (1985) de Prince. Es curioso que cuando presentaban este disco en directo sus espectaculos fueran tan populistas. Es obvio que no iban a poder girar con una orquesta, pero a falta de detalles, se volcaron en "la comunion con el publico". Y es tambien curioso que este populismo, cuando no es acompañado de esos aires britanicos, androginos y bien vistos por la prensa de bien de moda musical (o tendencias), se suela denominar "rockismo". Pero para que no fuera asi, tendriamos que suponer que la gente piensa por si misma y no por lo que digan los dicterios de moda.

Lo mejor del disco, aviso ya desde el principio, se encuentra en lo que seria la cara B si esto fuera un vinilo. Las canciones más ampulosas y barrocas. Comienza con "Introducing the band" dado su aire (retro) futurista que es una cosa tipo "Future legend" (si, la que acababa con la gloriosa frase "This ain´t rock & roll/ This is genocide") del "Diamond Dogs" (1974) de Bowie. Lo mejor no es la estructura melodica, armonica o ritmica, que no reviste ningun interes, sino el trabajo de Butler con esas burbujeantes guitarras en la escuela Mick Ronson y ese piano que cuela de fondo. "We are the pigs" fue uno de los singles, junto a "The wild ones". Más glam rock, en esta ocasion con seccion de metales. Otra vez Bernard Butler es quien capta nuestro interes con esas guitarras que mete. Más interesante por su trabajo como instrumentista que otra cosa. Lastima que despues de grabar este disco se largase y el grupo iniciase una lamentable cuesta abajo. En la floja pero pasable "Heroine" son sus arpegios lo mejor que se puede sacar de la escucha.

El disco empieza a mejorar con "The wild ones". Un rasgueado de guitarra acustica, un difuso fondo sonoro orquestal y Brett llenando el espacio sonoro con su gloriosa voz. Supera toda su carga añeja por lo bien construida e interpretada que esta. Suena a clasico de otra era, pero en bien. De esas que te hacen exclamar algo como "ya no se hacen canciones asi de buenas". No causa una adiccion tan facil, pero es incluso mejor, la siguiente "Daddy´s speeding" donde juegan a cruzar el glam de Bowie con la psicodelia de los Beatles (o quiza Syd Barret). La cancion trata sobre el accidente de trafico de James Dean (la pista nos la da la foto de este en su bolido encima de letra en el libreto, tampoco hay que ser un prodigio de perspicacia). El omnipresente Butler se luce tambien tocando un piano a lo Mike Garzon (el excepcional pianista barroco de Bowie) y con esa guitarra sobresaturada del solo que se pega al final.

"The power" es divertida sin más, mola como meten esa seccion de cuerda en esta cancion. Vamos, lo que hacia Tony Visconti cuando producia a Bolan, pero esta curioso ese estribillo punteado por las cuerdas. A Butler le da por usar la misma afinacion saturada de la anterior. En "New generation" la similitud del registro de Anderson respecto a la de su mentor Bowie es rayana en el plagio. Lastima de ese desarrollo facilon de "Hollywood life" cuando tiene ese comienzo tan interesante de metales. Pero ahora comienza lo bueno de verdad. El sindrome de solista de "dejarme a solas con el piano" de Brett en "The two of us" alcanza unos resultados magnificos. Y ese soberbio final, cuando la guitarra electrica rompe el tono intimista para abrazar la epica, con Brett repitiendo "Alone but not lonely, you and me".

Otra cancion inmejorable es "Black or blue", mi favorita del disco (junto a "Still life"). Ese inicio que parece flotar en el eter con esa soberbia utilizacion del arpa y un organo catedralicio. Irrumpe la voz de Brett que va alternando su falsete más androgino con tonos baritonales. Esos rasgueos de arpa que anuncian cada linea cantada son preciosos. Y la fuerza con que irrumpen las cuerdas en ese estribillo magnifico. Por cierto que los arreglos orquestales son de Brian Gascoine que habia trabajado para Scott Walker. "Asphalt world" es un suite de nueve minutos que habla de la desolacion de la vida urbana en su sector menos favorecido. Pero nada de irse a mundos dickensianos de gente de arrabal. No, el mismo camellete de barrio que podemos conocer cualquiera de nosotros. Gente cercana. Y ese solo doblando las guitarras de Butler es genial, con ese wha wha tan bien usado y sin caer en el topico al uso (imitar a Hendrix). De verdad que este tipo esta a la altura de un genio como Mick Ronson.

Y para acabar la majestuosidad de "Still life". No se si era su intencion, pero a mi esos acordes de acustica y la orquestacion tan suave, me llevan a un amanecer. Despues del descontrol y mal rollo de la cancion anterior, Anderson nos ofrece un rayo de esperanza. Aun hay vida. Ese tono grave con que entona, aceptando las miserias de su existencia: "This still life/ Is all I ever do/ There by the window violently killed by you" (¿un amante? ¿el sistema? ¿una sustancia?). Ese tono aceptativo más que apesumbrado se convierte en apasionada reafirmacion cuando vuelve a cantar las mismas lineas, con su voz alzandose a las alturas. Ningun fan de Scott Walker puede pasar por alto la grandiosidad de esta interpretacion. Y ese soberbio instante abatido "...but still, still life" a media voz con la orquesta hediendo a nocturnidad y sonidos de insectos ("In the glass house/ my insect life"). Tras esto un final grandioso (no grandilocuente, sino grandioso) con la guitarra de Butler junto a una orquesta desatada.

Pese a lo que pueda parecer por mis comentarios sobre algunas canciones, este es un disco muy recomendable, donde los instantes buenos son tan fabulosos que te hacen olvidar los flecos sueltos del album. Unicamente por mis dos canciones favoritas, aunque el resto fuera farfolla (que no lo es) mereceria la pena. Por acabar, comentare que me es curiosa esa comparacion entre los Suede y los Smiths. A nivel de textos o por la dicotomia Morrissey/Marr y Anderson/Butler, puede tener relaciones. Pero a nivel musical no se parecen demasiado (no lo digo ni como algo positivo, ni negativo, simplemente que no les veo mucho parecido). Incluso las letras de Anderson son más callejeras y no tienen ese toque de dandy fino a lo Ray Davies que si tiene Morrissey. Morrissey habla de clases medias (aunque el fue siempre un bicho raro y las mire desde fuera, tambien las describio de forma solo comparable a la del citado Davies), Anderson habla de clases algo más bajas o simplemente, es que las condiciones de vida han descendido en lo que media de uno a otro.

ENLACE DE DESCARGA:
http://rapidshare.com/files/143159345/Suede_-_Dog_man_star-1994.ofn.rar

Joe Lee Wilson "Livin’ High Off Nickels and Dimes" (1972)

Hace unos años en un blog dedicado a compartir canciones (canciones si, no discos enteros, ya que las paginas de descarga no se habían popularizado por entonces y el espacio de memoria en los blogs era limitado) descubrí por mero azar el "It´s you or no one" de este álbum. Me pareció tan maravillosa que me dedique a buscar información sobre el tipo. Su hito más conocido era su participación en "Attica Blues" (tambien del 72) de Archie Shepp. Buscando un disco que incluyese la canción que me había seducido, descubrí que había sido editado en un elepe de un pequeño sello y que nunca fue reeditado (y el sello estaba desaparecido).

Pero gracias al blog de Federator podemos disfrutar de este disco, con carátulas y toda la información sobre como fue registrado. Es increíble, por lo apañado que suena, que sea una grabación en directo de un concierto en una pequeña emisora de radio.

Se abre con la divertida "The theme/ Aquarian melody" sin relación alguna con el "Aquarius" de "Hair". Una saltarina y frenética pieza con un toque latino. Prosigue mi favorita "It´s you or no one". La voz de Joe Lee Wilson es la de un barítono en la linea de Johnny Hartman, pero es mucho más exhibicionista que este (lo cual no es una critica, advierto). El solo de piano de Ray MacKinley es una absoluta maravilla. Me encanta como pasa de esa frialdad del jazz, esa inteligencia musical abstracta que corta como un cuchillo. Como esa pura matemática deviene en cascadas de notas que transmiten sentimiento aunado con virtuosismo. me encanta también el instante en que vuelve a entrar la voz acompañada de ese saxo tenor velado de Stafford James (muy en la linea del acompañamiento lírico que proporciono Coltrane en su disco con Hartman), haciendo cosas bellisimas en el fondo. Hasta que la voz de Wilson se arrebata y demuestra el enorme recorrido de su bello timbre baritonal. Una canción tan deliciosa como "In a sentimental mood" de Coltrane y Ellington, de su disco conjunto del 62.

Las siguientes piezas "Strollin´" (de Horace Silver) y "Jazz ain´t nothin´but soul" tienen un carácter más rítmico y desenfadado. Hasta que llega esa enorme recreación del "God bless the child", la pieza que Billie Holiday llevo a lo más alto. Sobre un chelo o quizá un contrabajo tocado con arco, en ese contexto tan intimo, Wilson comienza a cantar. Pronto se van incorporando los demás instrumentos y la pieza va adquiriendo un aire menos melodramático. Y para acabar "You make me want to dance" una encantadora canción que transmite alegría.

En fin que es un disco que entra muy bien y gustara a todos los que se emocionen con Johnny Hartman y similares.

ENLACE DE DESCARGA:

http://frederatorblogs.com/kathleen/2007/12/30/joe-lee-wilson-%3E-livin-high-off-nickels-and-/

Pinchar con el botón derecho sobre cada canción y darle a "Guardar como".

Guerra de chapas

Derivando sobre un título tomado a Pergaud, voy a proceder a disertar sobre tan noble arte. Una actividad en extinción, de la que probablemente he sido el último experto mundial (y casi que el único) y debería ser apoyada con subvenciones y no esas actividades rústicas de vascos y catalanes.
Bien, en vuestra juventud todos habreis conocido distintos juegos infantiles relacionados con las chapas. El más popular quiza era el de la Vuelta Ciclista. El problema de tal juego es que te lo pasabas mejor creando la pista por la que luego rodarían tus chapas que jugando: si eran pocos jugadores, porque si el nivel no era parejo no había emoción y si eran muchos, ¿qué demonios haces tras tirar mientras doce chavales tiran sus chapas hasta que te vuelva a tocar? ¿mirar sus "evoluciones en la pista"? !que divertido! Este era un juego que ya desde pequeños nos separaba en dos grupos, según lo practicases o no, e indicaba por parte de los frecuentes a esta actividad, una cierta preocupación por encajar en el entorno social y poca imaginación. Los hombres de verdad necesitábamos ser (únicos) protagonistas de nuestros juegos y dominar a las masas (aunque fueran chapas).
Bien, dicho esto, para jugar a la Guerra de chapas, se necesitaban chapas, una cantidad ingente de ellas, hasta aquí todos de acuerdo.Primero estaba el problema de conseguirlas, nada mas fácil que ir a la bodega del barrio y preguntarle al dueño que si te podía dar una bolsa con chapas. Frecuentemente, el dueño encantado de la vida de soltarte una bolsa con lo que para el era basura y para uno era "el material con el que se hacen los sueños" citando a Shakespeare via Hamlet.
Con las chapas en la bolsa, llegábamos a nuestra habitación (esta es la variante indoor del juego, si hace buen tiempo podríamos practicar la variante outdoor, esto es, en la puta rue) y desplegábamos su contenido por el suelo o la colcha de la cama.Los preparativos consistían en separar las chapas en dos grupos, mas o menos, iguales (no hace falta contarlas). Para en medio de la trifulca poder diferenciarlas, pasábamos a marcar una cruz con rotulador (de cualquier color) en el interior, a uno de los dos grupos.
Una vez hecho esto, elegíamos el contexto apropiado para que se desarrollase la batalla. Normalmente, solía combatir contra orcos de Mordor o moros invasores de la península ibérica, que vienen a ser lo mismo. Dependía este detalle del ultimo cómic o película que hubiese cautivado mis retinas. Un detalle importante, en el que se distinguía un general de ejércitos de chapas que quería mandar sus ejércitos hacia la gloria y no un simple advenedizo, era que si habíamos tenido la suerte de conseguir una chapa con revestimiento de corcho y papel de estaño (creo que venían con las botellas de leche de Lanjarón), que eran mas pesadas y por ello mejores para el combate (por algo que explicare mas adelante), asignarlas el rango de capitán general de nuestro ejercito.


La ambientación también era un capitulo importante en este juego. Desde elementos de atrezzo como Exin castillos o construcciones con Tente y Lego. Y luego, claro está, el motivo de nuestra cruenta batalla. No es lo mismo, pelear por liberar a la península del yugo islámico o por derrotar al señor oscuro, que por cualquier otro motivo. El efluvio a cerveza que solían desprender las chapas, desparramado por nuestra pequeña habitación y olfateado por nosotros mismos durante horas, solía ayudar bastante a la emoción del juego.

Ahora pasamos al mecanismo del propio juego, que consistía en ir chocando entre sí, dos chapas de ejércitos contrarios, hasta que una cayese dada la vuelta. Entonces estaba muerta. Así hasta el genocidio de uno de los dos ejércitos. Aquí no había rendición posible. Cada uno de los dos ejércitos debía tener un general, estas chapas, tenían dos vidas. Es decir, debían caer boca abajo dos veces consecutivas para fenecer.Para agilizar el juego, podríamos hacer uso de las salvas de cañón (las cuales, para que fuera un juego equilibrado, debían disponer del mismo numero de ellas, ambos ejércitos). Había dos variantes: de pelota de tenis o de garbanzos. En la primera variante, se lanzaba con toda nuestra mala leche una pelota de tenis (o varias, de una en una, eso sí) contra un grupo de chapas enemigas. Las que caían dadas la vuelta, habían perecido bajo el encarnizado fuego

En la segunda, que era más sutil y de jugador avezado, tenía en cuenta nuestra inteligencia al elegir el grupo de chapas (que digo chapas, !soldados enemigos sedientos de sangre española!) sobre el que "espolvoreábamos"por encima un puñado de garbanzos. Todas las chapas que en su interior tuvieran un garbanzo, perecían.
También, podríamos crear todo tipo de obstáculos. Recordar que este juego esta únicamente limitado por la imaginación del jugador.

En una ocasión, una gloriosa mañana de sábado en la que invadí la fortaleza del sultán Ahbud-El-Zahid y su ejército de saitanes rojos, hubo que cruzar un tramo caudaloso del río Ebro (la alfombra de la habitación) en chalupas (cintas de casette a las que metía dentro el mayor número de chapas) mientras hacían fuego (pelotas de tenis) sobre las cintas. Una vez cruzado el río, tenías que subir a la montaña donde estaba sita la fortaleza, cruzando un peligroso desfiladero (un tablón de madera) donde tenías que usar las habilidades adquiridas en el juego La vuelta ciclista, para no caer. E incluso una vez dentro, tenías que esquivar trampas de canicas que caían y vencer a la guardia personal del sultán (que tenían dos vidas cada uno). Una gesta heroica, que reivindico desde aquí.Lo malo era que debido al olor a bar purulento que dejaban, mi madre me las solía tirar cada pocas semanas. Aunque se recuperaban fácilmente, pero aun así dolía por alguna que otra chapa a la que habías tomado cariño por su destreza en el combate.

Y por ultimo, si no se tenían chapas, se podía echar mano a las fichas de esos puzzles que teníamos por casa. Eso si, se juega con la ficha invertida y si cae en dibujo, esta muerta. No al revés.Normalmente, las chapas de leche Lanjarón (las que tenían corcho y revestimiento circular de estaño en su interior y bla bla bla) eran difíciles de abatir ya una única vez, dado su peso y su forma más aerodinámica y al tener dos vidas, eran muy difíciles de derrotar. Para ser justos, si tenías dos, cada una debía ser el jefe del ejército contrario. Y solían acabar enfrentándose una con la otra. Pero tenia una chapa, del ejército de los buenos, una chapa de toda la vida de tercio de Mahou, que tenía una de sus puntas deformada. Eso no era nada infrecuente, cantidad de chapas, al ser mal sacadas de los vidrios, estaban imperfectas. Pero esa punta tenía el efecto, al chocar con otra chapa, de levantarla y normalmente voltearla. Era la chapa, cuerno de rinoceronte.En una batalla, derrotó no sólo a la chapa de Lanjarón que representaba el general enemigo, sino a 37 chapas enemigas (y el número subiría en el cómputo total de enemigos defenestrados), una tras otra, antes de vencer al jefe enemigo.

Y mi madre me la tiró en una de sus "limpiezas". A la hora de comer la espeté "Pues ahora no como los garbanzos, por tirarme mi chapa" me había tirado todas, nótese el detalle). Y ese día me di cuenta de que las mujeres no saben nada del cariño ni de los sentimientos que los hombres albergan en sus corazones.

Las chapas que hubiesen demostrado su valor en el combate, derribando a un buen número de enemigos antes de fenecer, podían aumentar su rango en próximas batallas, siendo rellenadas de plastilina, para aumentar su fortaleza y vigor en el combate. Eran las chapas Berseker, por que solían derribar a unos 10-12 enemigos, antes de ser derribadas.

Se me olvida hablar de los cuerpos de fusileros, cuya inclusión podía justificarse fácilmente sin anacronía alguna, si la batalla se desarrollaba en un contexto más moderno o simplemente imaginándonos que eran arqueros.Se les ponía a cada una de estas chapas un garbanzo en su interior, normalmente lo constituían unas veinte unidades (no mas, que no fuese que nuestras madres nos diesen un bofetón por dejarlas sin alubias para el almuerzo). El garbanzo se colocaba en el extremo mas alejado del enemigo y apretando con fuerza con el dedo en el extremo contrario, la chapa se inclinaba y lanzaba su peligroso proyectil. Si caía dentro de un enemigo, este había muerto. Normalmente, su uso se restringía a los primeros envites del combate, cuando el enemigo estaba en formación de "tos juntos". Para ser más efectivos, ya que intentar colar el garbanzo en una chapa aislada, era tarea harto difícil.