Roy Wood "Mustard" (1975)

Tras tan horrible portada se esconde el mejor disco de Roy Wood. Su obra mas ambiciosa, donde toca todos los instrumentos (un porron) y hace todas las voces. Exceptuando pequeñas colaboraciones en los coros de Phil Everly (de los Everly Brothers) tonos de baritono en "Get down on home", Annie Haslam de Renaissance (que era la novieta de Wood entonces), voz de soprano al inicio de "The rain came down on everything" y Rick Price (antiguo compañero en The Move) y Dick Plant, que ayudan en los coros de "The songs". Todo lo demas, que no es poco, lo toca y canta (ademas de producir, arreglar y componer todo el material) el propio Roy Wood. Como en "Boulders". Pero si ese era (segun el inclito Jaime Gonzalo) su "Smile", este es su "Pet Sounds". Aunque el caracter es mucho mas exploratorio que confesional.

La cancion que da titulo al album, con voces femeninas (no se si sampleadas) es un homenaje a las Andrew Sisters. Para dar paso a "Any old time will do", donde se puede apreciar como Wood construye sus armonias (desde un suplicante falsete hasta un amargo y desesperado tenor). A mi me recuerda a alguna cancion de "Boulder" o sus ultimas creaciones para The Move (las de "Message from the country").

"You sure got it now" es otra cancion en varias partes, un comienzo instrumental de pipas de madero, unas voces a lo Andrew Sisters de nuevo, una armonica country, guitarras acusticas para pasar a convertirse en una pieza de hard rock. Con Wood cantando como si fuera el hermano gemelo de Robert Plant.

La ambiciosa "The rain came down on everything" se abre con un pasaje sinfonico profusamente instrumentado por Wood, donde ademas colorea con su voz los pasajes altos cortesia de la estratosferica voz de Annie Haslam. Un violin, suplanta la voz de Annie, para dar por concluida esta seccion y dar comienzo a la siguiente: Wood solo al piano. Aunque pronto aparece el ejercito de instrumentos de Wood. Segun la cancion progresa, va en crescendo, con la adicion de arpas, timbales, segundas voces interpretadas por Wood y Annie (Queen tomarian nota para construir sus ampulosos coros) y alguna grabacion incidental del sonido de la lluvia. Es esta una cancion del estilo de "Dear Elaine" ("Boulders") pero a mi parecer, mejor que esta ultima.

"Why does a pretty girl sing those sad songs" es el mejor intento de crear un nuevo "Good vibrations" que jamas se ha realizado. Cito esta cancion mas como por el ejemplo estructural que de ella toma, mas que por que se parezcan en sus motivos melodicos. De hecho, el fragmento en falsete esta mas bien tomado de "Surf´s up" (concretamente cuando Carl canta con esa voz de niño cantor de Viena "Columnated ruins domino"). Mientras Wood canta en falsete, aparecen otras dos voces, una haciendo coros y otra haciendo un sonido de aspirar aire (muy parecido a las tecnias que Brian uso en "Vegetables" por ejemplo). Aunque el break de voces a capella es puro "Good vibrations" y los chelos, las partes de tempo lento que se aceleran y los "papapapas" de los coros tambien. Impresionante cancion.

"The song" es una cancion de dos minutos, a la que se la ha añadido una coda instrumental de cuatro minutos. Esos dos primeros minutos son muy parecidos a "The rain came down on everything", Wood solo al piano acompañandose de su voz en falsete regrabada en otras pistas. Tras esta seccion, aparece un sencillo ritmo de arpa, un contrapunto de violines y un minimalista pasaje de organo. De repente, este sencillo arreglo se transforma en una solemne y relajada pintura de la belleza celestial (basado en el "Preludio numero uno en do menor" de Bach). Un pasaje optimista y melancolico, de una belleza minimalista que me recuerda al inolvidable solo de Steve Hackett en "Firth of fifth" (Genesis "Selling England by the pound")

Con "Look thru´ the eyes of a fool" volvemos a los tiempos de Wizzard, con este divertido numero retro a lo pop de los primeros sesenta. "Interlude" es un pequeño pasaje de piano, donde Wood comienza imitando los peculiares coros de los Beach Boys, hasta que entra, de manera inopinada, una gaita irlandesa. Que se corta bruscamente con una bateria a lo Bonham. Estamos ya en "Get on down home". Tiene un aire a lo "When the leeve breaks" de los Zeppelin, pero con algo de boogie a lo ZZTop y con las habituale inflexiones melodicas de la casa. Si os la metieran en un disco de Queen, no os dariais cuenta, de hecho, en canciones como esta pareces señalarles el camino (hard rock mas melodico de lo habitual y con influencias de musica clasica). Lo que ocurre que Roy Wood hacia estas cosas antes que existiese el grupo de Mercury. De hecho, aunque algunos señalan que la voz de Wood suena aqui a la de Robert Plant (como en "You sure got it now"), me recuerda mucho mas a la del propio Freddie Mercury. Sobre todo en los primeros pasajes de la cancion.
A mitad de esta, Wood tiene la oportunidad de lucirse en un solo de bateria. Para ello usa la misma tecnica que con su voz: regraba al menos dos baterias tocando simultaneamente y algun objeto de percusion. Asi logra crear un interesante efecto poliritmico. Un sencillote solo de guitarra, despide el disco, como si Wood intentase volver a las raices del rock tras sus sinfonicos experimentos.

EXTRAS:Los singles que edito en 1975 y 1976. Interesantes, pero aunque algunos cortes son demasiado derivativos:"Rattlesnake roil" es puro Bill Halley, "Oh what a shame" la cancion deonde los Beach Boys conocen a Billy Joel y los experimentos neoclasicos jazzeros de nuevo, como en la enorme "The thing is this" (similar a "The song"). Mencion de honor para "Indiana rainbow", que algunas malas voces lo tachan de ejercicio de estilo a lo Barry Manilow, pero a mi me parece un ejercicio muy adictivo de rock samba. Xavier Cugat y Wood tomando caipiriñas en Rio.

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Beach Boys "Los setenta" (IX)

Carl & the Passions “So tought”/ Holland


En las primeras canciones cuesta reconocerlos. Te preguntas, ¿dónde estan mis Beach Boys? ¿qué demonios pintan estos solos de guitarra? ¿y esas slides? ¿por qué esas capas de sonido negro, si han sido el unico grupo de pop (quizá junto a los proyectos de Curt Boettcher) que cuanto más blancos, mejor han sonado? ¿por qué recurren a un bateria negro, si Brian ha creado unas polirritmias tan complejas y tan marcianas que no tienen parangón? Hay pocos grupos “blancos”, que han sonado tan complejos rítmicamente como las formaciones afroamericanas, caso por ejemplo de la Creedence Clearwater Revival, pero en todo caso han demostrado asimilar preceptos de otros, mas que crear los suyos propios.

En estas canciones suenan reminiscencias de Eagles, America y todo el soft-rock yanki, incluso influencias hippies. Que maldita sea la falta que hacen cuando son un grupo superior a todos ellos juntos, incluso en este disco. En todo caso, siendo benevolos, "You need a mess of help" esta bien, como si inyectasen soul en una cancion de The Band, con ese puente avant garde, con ese violin campestre cruzandose entre una melodia marca de la casa. Tambien esta curioso esa decision de doblar la voz principal: por un lado Carl en primer termino del espectro sonoro y la voz de Rick Fatar como un eco ronco de esta. Una de las canciones menos reconocibles del sonido del grupo, escrita por Brian.

"Here she comes" me parece un fiasco. Cantada por Ricky Fataar y Chapman, los dos nuevos miembros que se incorporan en este disco, que serán muy competentes en directo, pero maldita sea la falta que hacen. Y como a estas alturas de la película, están perdidísimos (el grupo) y Carl, timón actual del grupo y productor del disco, no es que sea un gran compositor, les otorga carta blanca para desbarrar. Además de que Carl ya ha demostrado tendencias AORiles en sus canciones de los dos anteriores discos. El gospel de "He come down" con los característicos juegos vocales del conjunto, anima un poco la cosa. Un poco largo quizá, pero impacta oir a Carl desgañitándose como una negra en un coro baptista en las segundas voces y tiene un gran trabajo al organo. "Marcella", la cancion de Brian Wilson y primer single del álbum, es un ejercicio de soft-rock al estilo de los grupos que mencionaba al principio, eso sí, con el oficio y buen hacer de Wilson, parece rebajarlo en este disco de visionario a mero artesano. "Marcella" no esta nada mal, sin ser de lo mejor que ha salido de su prodigiosa chistera, en cuanto a inspiracion melodica, es interesante en cuanto a que no suena a los Beach Boys de los sesenta y sin embargo, se les reconoce inmediantamente. Brian se marca una produccion de las suyas, pero en un contexto nuevo: fijaos en esa guitarra acustica que parece que suena como un clavecin y ese organo que por contra, suena como una steel. Tambien cambia el sonido mas tipico del grupo de las panderetas para hacer bases ritmicas, por unos cencerros, infectado como esta, de ese ambiente campestre. E incluso el solo de slide es algo novedoso en ellos, aunque tenga cierta impronta a George Harrison.

"Hold on dear brother" es calificada como su intento de country arena y con reminiscencias de los Flying Burrito y al pesado de James Taylor. Algo de eso tiene, pero es una pieza insustancial sostenida por el buen hacer instrumental de los nuevos miembros del grupo (la cancion es cosa suya, aumentada por los coros de los hermanos). En lo que queda del disco, las tres últimas canciones, es donde se dan los principales argumentos para que éste disco sea digno de ser adquirido. Y es que aquí, Dennis Wilson entrega dos de sus mejores canciones, lástima que sea en un disco tan poco lustroso como este. Ambas con arreglos de Daryl Dragon (aunque según el mismo Dragon, se limitó a transcribir en partitura las indicaciones de Dennis), futuro miembro del duo Captain & Tenille. Las canciones de Dennis tienen algo de las canciones orquestales del "Harvest" de Neil Young y de Robert Wyatt. Con orquestaciones superiores a las de Young (dignas de los arreglistas de Scott Walker, más que del poco apropiado contexto que creo Jack Nietzsche en el disco del canadiense) y supliendo el colorista mundo sonoro de Wyatt por algo más barroco. Pero participa de esa sensación límite que crean las temblorosas voces de ambos artistas. Como si un Robert Wyatt enronquecido con el sentimiento desolado del Neil Young de “Tonight´s the night”, cantase canciones de los primeros cuatro discos de Engel, seria la comparación más precisa. Este formato de contraponer una voz de poco recorrido con orquestaciones con visos majestuosos ha dado grandes resultados. Además de los dos ejemplos previos, podriamos citar la Billie Holliday de la Decca, arropada por suntuosas orquestas y argentíferos coros femeninos. O por poner otro ejemplo, esta vez más cercano, las producciones de Dave Friedmann para Mercury Rev y Flaming Lips. Me detendré en "Cuddle up": ese inicio tan "en penumbra", con esa voz tan rota y lastimera, sobre un piano minimalista, que poco a poco va alzándose ("...your love...your love") al tiempo que se hace más presente la brillante orquestación que yace detras, que progresivamente va reemplazando al piano del inicio. Y los coros del resto del grupo, tras el interludio instrumental que empieza con un chelo al que se le van superponiendo instrumentos de cuerda, abriéndose y desdoblándose, incrustrándose entre los espacios de los violines, ¿están grabados por ángeles o por personas? “Make it good” transita sendas similares, con un inicio digno de Wagner y un calado emocional similar al de cualquier bestia parada del soul, mismamente, Sam Cooke (hay un cierto parecido a nivel lirico con su "Wonderful world"). Lo enorme de Dennis, es que teniendo un universo sonoro tan personal como el de su hermano Brian, en poco o nada se parece a este, a excepcion de su calidad. Y no podemos decir lo mismo de Carl, siempre a la sombra de Brian. Un denso fondo de cuerdas, acompaña la emocionada interpretacion de Dennis. El crescendo posterior, de orquesta y voz "All of my life/ I haven´t know much/ All I know/ Is what I feel/ And what I feel/ Love/ I´m in love" para desvanecerse, la voz de Dennis en un falsete ronco, entre el marasmo orquestal. Una cancion de una sonoridad inedita en los Beach Boys, increible. Esa voz de Dennis, tan imperfecta en comparacion con las de sus hermanos, tiene una poderosa cualidad emotiva.

Parece que estas dos maravillas de Dennis empujan a Brian a componer algo que este a la altura. Y "All this is that" es una gran canción que regresa de cierta manera al sonido acuoso de "Cool, cool water" aun sin sus visos vanguardistas. Una de esas maravillas falsamente minimalistas como las que compuso para "Friends" y "20/20", que te llevan a un lugar placido, encantado aunque cotidiano, un sitio donde no hay prisas: esa sonoridad tintineante del piano, ese genial entramado de voces que esconde mas miga de la que parece. Me encanta el final, cuando cantan eso de "And that makes all the difference to me" y Carl se lanza en un acrobatico falsete en la ultima silaba y comienza a subir y bajar por la escala.

En fin, que si quitamos "Hold on dear brother" y "Here she comes" (ambas de los nuevos miembros del grupo) que son un bodrio y capaces de aburrir a un caballo de madera, nos queda un gran disco.


Si el disco de Carl se salvaba no gracias precisamente a el, con “Holland” el grupo inicia un amargo declive. Bodriazos como “California saga” (¡en tres interminables partes!) de los villanos Jardine y Love. Como en el disco anterior, se salva principalmente por las canciones de Dennis: “Steamboat” (la gran cancion del elepe) con un sonido que anticipa al ultimo Tom Waits (que cariño entregaba Dennis al grupo, aun en discos como este), “Only with you” tambien escrita por Dennis, es cantada dulcemente (aunque algo amaestrada) por Carl. Tiene una buena melodia pero la interpretacion de Carl no saca todo lo que se podria sacar de una cancion asi. Como si "Forever" (aunque "Only with you" no es tan buena) la hubiera interpretado Carl en lugar de Dennis. Si Carl hubiera sacado la garra de por ejemplo esa interpretacion de "Darlin´" en el concierto de Knewborth, lo hubiera bordado. El single de Brian, “Sail on sailor”, suena a pieza del monton, intenta ser otra nueva tentativa en ese sonido mas campestre y tradicional, en sintonia con grupos como Crosby Stills & Nash, como lo era "Marcella", pero se queda muy por detras de esta.

Material extra: una composición, especie de poema, recitada por Brian. Un bodriazo, sin mas. Ni el mayor fanatico del genio de Brian puede defender esta soporifera pieza.

Beach Boys "Ultimos sesenta" (VIII)

Sunflower/ Surf´s Up


Penultima obra maestra del grupo. El merito no recae unicamente como antaño en Brian, sino que comparte honores con Dennis. En lineas generales, las composiciones de Brian siguen lineas similares a las de “Friends” y “20/20”, en esa linea cotidiana, incluso en el rescate habitual de las canciones del “Smile”; “Cool cool water”. Pero las de Dennis presentan novedades al sonido del grupo, como si estuviera al frente de la Dwight Twilley Band o de los Badfinger. Como puede comprobarse escuchando las rockerizadas “Got to know the woman” o “It´s about time”. “Slip on trought” se asemeja a las composiciones mas recientes de su hermano y no olvidemos “Forever”, la cancion mas conocida de entre las de Dennis. Y por decirlo todo, señalar que sobran las dos empalagosas canciones de Bruce Johnston. Una cosa es tratar de unir a Gerswhin con los Four Freshmen y otra, muy diferente, escribir anticuadas canciones de musical de tercera fila, como si el rock jamas hubiese existido. La primera implica evolucion, la segunda involución



“Surf´s Up” es el inicio del declive artistico del grupo. A idiotas profundamente reaccionarios como Al Jardine y Mike Love les entra una vena progre ecologista de millonario con problemas de conciencia e invaden, con la connivencia del manager actual de la epoca, el estafador Jack Riley (posteriormente expulsado por su condicion homosexual). No solo son unos hipócritas, sino que tienen intenciones proselitistas. Resultando de estas pedazos de basura como “Don´t go near the weather”, “Take a load off your feet” (recomendando el uso de sandalias) y una infra-version, retitulada del “Riot on cell block n.9”. Solo un idiota de la envergadura de Mike Love, hubiera visto intenciones antisistema en ese conjunto de cachondos mentales que componen Leiber-Stoller mas los Coasters. Buena medida del escaso talento de estos dos parasitos es que la extraña composición de Wilson (parece una cancion de los Tyrannosaurus Rex más hippies, con un Bolan al que se le hubiera introducido una polilla en la garganta), cantada por el ubicuo Riley, es mas tolerable que las anteriores canciones. A Dennis no le dejan meter baza. Carl compone dos canciones, entre ellas su mejor aportación al grupo, “Feel flows”, donde es pionero en el uso de sintetizadores, que usarian posteriormente con mayor asiduidad en los siguientes discos (especialmente peso tendrian en “Love you”. A Brian, a cambio de que ceda en su negativa a usar su mayuscula “Surf´s up” con un nuevo arreglo sinfonico que no le convence (paradójicamente, la pieza se estreno en 1967, en un programa televisivo conducido por ese gran sinfonista que fue Leonard Berstein), se le permite colar una de sus canciones mas tristes, “Til I die”. De esta ultima cancion existe una version superior con un arreglo de vibrafono que aparece en la colección de rarezas del documental “Endless harmony”.

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Beach Boys "Ultimos sesenta" (VII)

Friends/ 20-20

Es quizá el disco más veraniego de los Beach Boys después del "Pet Sounds", al menos, aparta esos aires otoñales del "Smiley Smile" (el unico que podría disputarle esta plaza es "Sunflower"). Podría incluso definirse como el disco costumbrista de los de Wilson, un poco a la manera de los Kinks (no queda mal este disco al lado de "Face to face", ¿verdad?): canciones sencillas, sobre temas cotidianos, con letras y arreglos muy naif. Eso en principio, aunque una escucha más atenta revela que aunque este disco no tenga la complejidad de otros discos anteriores, esconde más chicha de lo que aparenta.

Se abre con una especie de intro de escaso medio minuto, "Meant for you", que desprende una melancolía (suena a final de disco, más que a inicio) que contrasta con la vitalidad de la canción que le sigue, "Friends", un vals adornado con unos coros increíbles, construido a base de estrofas, sin estribillo. Me encanta la explosión de vitalidad de ese "Let´s be friends" que sueltan a mitad de canción. Sigue "Wake the world", que empieza de manera algo oscura (ese chelo creando texturas al fondo, después de la primera estrofa, recuerda a "Pet Sounds") pero que Brian reconduce en el mismo tono vitalista y festivo de la canción anterior. En ocasiones como esta demuestra lo genial de sus dotes como compositor, lo fácil que le resulta insertar partes diferentes en una misma canción sin que en ningún momento suenen forzadas y lo fácil que le resulta llevar al oyente por distintos estados de ánimo en una canción de escaso minuto y medio. "Be here in the morning" (con Brian cantando en el tono más agudo que se le recuerda... me encantan esas masas corales que entran en el estribillo, "and make my life full" que parecen sacados de un madrigal renacentista más que de las influencias iniciáticas del grupo por los conjuntos de doo wop) y la sencillota y quizá algo tontorrona pero pegadiza "When a man needs a woman", junto a las anteriores, conforman, con "Busy doin´nothin", lo mejor de este disco.

Tenemos aquí el debut de Dennis Wilson como compositor, demostrando que tiene un mundo interior tan fascinante como divergente del de su hermano. De "Little bird" me sobran esos "nananas" de sus hermanos, que le dan un toque naif que no le viene bien a la atmósfera sombria creada durante el resto del tema, aunque los coros durante el resto de la canción, son muy hermosos. Aun así, me sigo quedando con el delicado minimalismo y la adictiva cadencia de "Be still". Y es que por mucho que adjudiquen el soul a su hermano Carl (magnifico cantante, no se me malinterprete), la voz negra de la familia era el murmullo quebradizo de Dennis.

Y llegamos al punto más conflictivo del álbum, el que quizá pueda oscurecer al resto, "Busy doin´nothin´". Brian echa una canita al aire, sale de casa, contrata a músicos de estudio y graba una bossa nova, que para ser su primera incursión en este campo, parece que sea el hermano joven de Jobim. Si el resto del álbum es falsamente sencillo y esconde una complejidad digna del tipo que escribió "Pet Sounds", aquí tenemos al antiguo Brian recuperado en plena forma. Qué lástima que llegado a este punto no mandase al resto del grupo a paseo o al menos fuera más constante en estas infidelidades. Ahora llega el instrumental rarito, que supongo que se formuló así: Brian vuelve a casa arrepentido de su escapada, el resto del grupo le reprende y le encierra en una habitación a modo de castigo, que resulta ser donde están guardados los "efectos sonoros" del estudio. Brian, aunque encerrado, continua su exótico viaje mental. Si en la canción anterior visitó el bullicio de Rio de Janeiro, a estas alturas del periplo ya va por la selva del Amazonas y decide construir un instrumental que junto al poster que ha pegado en la pared, cree una atmósfera que le haga olvidar dónde está y le transporte adonde querría estar. Atención a los sonidos de cantos de aves exoticas: no son ningun efecto sonoro, sino que provienen de una guitarra. Y para acabar, el manchón del disco, "Transcendental meditation", una chufla pseudo psicodélica de los infames Jardine y Love.


“20/20” pese a su condicion de disco de descartes, es otra maravilla. Solo afean el conjunto dos versiones de canciones tan inapropiadas para el conjunto como son “Cotton fields” (nada que hacer frente a la de la Creedence) y “Bluebirds over the mountain”. El resto es magnifico: “Do it again”, donde se deja a las claras que el ala conservadora del grupo quiere reverdecer su esplendoroso (y comercialmente mas fructifero) pasado playero (aun asi, gran cancion de Brian, con una producción tan excelsa como nos tiene acostumbrados y diferente a lo habitual en el) , la excelentemente interpretada por Carl version de las Ronettes, “I can hear music”, “Be with me” de Dennis (otra muestra de su ascendentemente talento), “All I want to do”, rock & roll compuesto tambien por Dennis y cedido a la voz de Mike Love, con una sonoridad y tematica sucia digna del mejor Check Berry, “The nearest place to be” instrumental muy en la linea de los que aparecian en “Pet Sounds”, compuesto por Bruce Johnston que es lo mejor que este buen hombre escribio para el grupo junto a la posterior “Endless summer” (los arreglos de esta cancion son de Van McCoy, famoso por su discotequero “The hustle”). Dos piezas en la linea de tematica cotidiana de “Friends” de Brian: “I went to sleep” y la mayuscula “Time to get alone” (atención al glissando de los violines de la parte central), “Never learn to love” o lo que es lo mismo, “Cease to exist” de Charles Manson, fusilada por Dennis y convertida ¡en una cancion exultante! Y para cuadrar el contenido, dos rescates de “Smile”. La impresionante “Our prayer” donde las formas vocales del grupo van mas alla del doo woop para acercarse al madrigal renancentista europeo. Y la no menos excelsa “Cabinessence”. No es difícil imaginarsela sirviendo de apoyo a una película de Dysney (en concreto, reemplazando a la cancion de trabajo de los enanos de “Blancanieves”). Ese final con el bajo preñado de fuzz es la leche.

Material extra: un clasico como “Breakaway” (que tiempos aquellos en los que habia grupos editaban solo en single material de primerisima orden), dos colaboraciones entre los dos talentos del grupo, Dennis y Brian, “Celebrate the news” (atención a la producción de esta: el final es increíble) y “We´re together again” y versiones de “Walk on by” (mas bien una maqueta) y “Old folks/ Ol´man river”.

Beach Boys "Ultimos sesenta" (VI)

Smiley Smile/ Wild Honey


A partir de este disco, muy injustamente, la musica de los Beach Boys se empezó a valorar por lo que pudo haber sido, más que por los resultados "físicos" (esto es, audibles) de sus grabaciones. En concreto este disco, que sin la temible sombra de un "Smile" no tendría pega alguna, puede ser el epítome de esta situación. En él se empiezan a hacer palpables los problemas mentales del mayor de los Wilson, se podría considerar un reverso oscuro de "Pet Sounds" y quizá el negativo frustrado de "Smile", el montaje sin planos desechados de la autodestrucción de Brian, un disco film, donde se muestran las escenas que usualmente se quedan en la sala de proyección.

Allí donde "Pet Sounds" era un disco equilibrado, que llenaba el cuerpo de buenas vibraciones (a pesar de cierta melancolía por la inocencia perdida que se desangraba sobre sus surcos), "Smiley Smile", pese acreditar en su interior la mismísima "Good vibrations", es un disco que inquieta como las risas de los niños en “¿Quién puede matar a un niño?” de nuestro Chicho. Notas que algo falla, que algo no va bien. O sí, los típicos elementos que configuraban el sonido del grupo, siguen ahí: los coros, los imaginativos cambios, esas pequeñas sinfonías de apenas dos minutos. Pero esta vez, tienen un aire diferente. Los cantos corales al amor universal del anterior elepé, suenan aquí como reverberando en los acolchados muros de un gótico y oscuro hospital psiquiátrico, devolviendo ecos de la insana mente de Brian ("I won´t be afraid in my room", que cantó sólo unos años antes, pero tanto aislamiento puede llamar a los demonios del alma y la mente). El sonido del álbum, infraproducido, algo lo-fi (décadas antes de que se pergueñase tal denominación) y el menor despliegue instrumental que exhibe el album respecto a los inmediatamente anteriores, ayuda a esta clasificación: el genio se ha quedado solo, encerrado en su habitación con sus juguetes favoritos, pero estos están rotos, como su cerebro, sus instrumentos de juguete suenan desafinados, extraños, desasosegantes. Tan naif que asusta. Solo hace falta comparar este disco con el extra “Can´t wait too long”, donde se observa como Brian trataba de llenar de sonidos las piezas de “Smile”, mientras que “Smile Smiley” obedece a un criterio opuesto. Aun asi, saben sacar partido de esa producción tan engañosamente minimalista.

Si bien hay canciones que escapan a esta generalidad que he expuesto en el párrafo anterior, como la misma "Good vibrations"o "Heroes & Villians" (en una version ad hoc para este disco), que tienen reminiscencias joviales de antaño, el resto del álbum es muy oscuro. Si "Pet Sounds" era un disco onírico y mágico que producía sueños plácidos y evocaciones veraniegas (particularmente a mí me parece un disco muy acuatico, más que sus primeras grabaciones glorificando el estilo de vida californiano), este disco produce el mismo tipo de pesadillas laberínticas que las que crea dormirse enfebrecido.


“Wild Honey” es otra obra con los Beach Boys encargandose de (casi) toda la instrumentación del album, con Brian relegado a ser “uno mas” del grupo. Esto supone un punto de inflexión en el grupo: a partir de ahora, Brian dejaria de ejercer (que no de serlo) de genio vanguardista del pop para ocupar un puesto de “asalariado”. Y se anticipa a esa vuelta a la sencillez que retomarian, entre otros, Dylan y los Beatles (con los discos country grabados en Nashville y “White album”, respectivamente). Hay algo que dijo Marianne Faithfull sobre "The Basement Tapes" de Dylan con The Band, que puede aplicarse al sentimiento primitivo, naif si se quiere, pero inquietante de estos dos albumes: "Estaba tan asustada. Me sentia como si el fin del mundo fuese a llegar. Ese sentimiento de devastación. No esta en todas las canciones, hay algunas más divertidas. Fue la primera vez que Dylan empezó a hablar en lenguas milenarias. Siempre sentí que el lugar donde los grandes horrores iban a llegar era a América y él lo sabía también". Cambiad Dylan por Brian y el resultado se aproxima al contenido de estos discos (sobre todo del "Smiley smile"), solo que unos meses antes.

Se le ha llamado, sin mucho sentido, el disco soul de los Beach Boys. Quiza por la pieza titular y por la version (muy inferior) de otro futuro mago del estudio, “I was made to love her” de Stewie Wonder. Hay mucho mas soul en el posterior "Sunflower" mismamente.

No obstante, es un buen album, donde Brian no deja de seguir experimentando, aunque de forma mas humilde. Por ejemplo, el feedback de “Country air” y contiene canciones tan enormes como “Darlin´”, “I´d love just once to see you” o “Let the wind blow”.

Material extra: sesiones de “Good vibrations”, un “Heroes & villains” de las sesiones de “Smile” y una pieza inedita de estas, “Can´t wait too long”. Junto con las piezas ineditas que aparecen en la caja “Good Vibrations: 30th Anniversary Collection”, lo mas interesante de este disco inedito que se haya publicado

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The Move "Message From The Country"

El ultimo disco de los Move fue grabado, por causas contractuales (les debian un disco a la compañia discografica) casi a la vez que el primer disco de la E.L.O., proyecto en el que estaban depositadas las ilusions de Wood o Lyne (que se habian quedado como trio, con Bev Bevan a la bateria), donde iban a sacar partido a sus influencias musicales clasicas, siguiendo el camino que marcaron los Beatles en "I am the Walrus".

Asi que se tomaron este album como una suerte de taller experimental donde probar los conceptos musicales que tenian en mente para su posterior proyecto. Asi que se dedicaron a probar cualquier idea, por loca que les pareciera. A pesar de esto, el album es un buen disco, mas liviano que los dos anteriores, pero mas apetecible por ello mismo. Tambien ayuda que Wood y Lyne vieran que el camino que habian emprendido en "Shazam" y "Looking On" les llevaba a la senda sin salida del rock progresivo. Esa advertencia se traduce en una duracion mucho mas corta de las canciones, asi como una vuelta a los homenajes preglitter al rock de los cincuenta.

"Message to the country" de Lyne, cancion de proselitista y ecologico contenido, tiene unas guitarras inspirada por George Harrison y unos juegos vocales de aupa. Atencion al momento en que Bev toca una especie de marcha militar epica y las voces "cantan" un riff de guitarra. Por cierto, los coros son mucho mas Beach Boys que Beatles, es decir, mas complejos.

"Ella James", de Wood, es un hard boogie directo, que contrasta con "No time" (Lyne) que recuerda a su trabajo mas etereo con los Idle Race. En esta cancion acustica, tiene rienda suelta para mostrar su faceta como multinstrumentista con la flauta de bolsa. Jeff y Wood juntan sus agudas voces, repartiendose las partes vocales, de manera excelente.

"Don´t mess me up" (Bevan) es una reescritura de un antiguo exito de Elvis, "Treat me nice". A pesar de su poca originalidad, es uno de los momentos mas divertidos del disco. Completado con un deliverado sonido de baja fidelidad, un solo de guitarra del tipo de los de Scotty Moore, un piano a lo Jerry Lee Lewis y unos coros jugando a ser los Jordanoires.
"Until your mama´s gone" (Wood) es otro vacilon boogie a lo "Ella James", que comienza y termina con una guitarra acustica, a pesar de las guitarras a lo Gary Glitter avant la lettre que contiene entre inicio y cierre.

"It wasn´t my idea to dance" es un delirio clasicote de Wood, algo soporifero, que recuerda a los momentos menos inspirados de Jethro Tull. En ella Wood vuelve a tocar un monton de instrumentos (saxo, chelo, clarinete y oboe). Mucho mejor es "The minister" de Lyne, que esta mucho mas inspirado que su compañero en este album. Tiene un gran sonido de guitarra, como si a McGuinn le distorsionasen su rickenbacker. Es tambien una pieza algo epica, como unos Beatles jugando con el hard rock y Wood da un poco la lata con su oboe, pero no molesta demasiado. "Ben Crawley steel company" es el segundo homenaje del disco (hay un tercero, pero en los bonus) al rock de los cincuenta. Esta vez es Wood quien compone una cancion a lo Johnny Cash y la grave voz de Bevan quien la interpreta (a la perfeccion), en la que es su segunda y ultima cancion como solista en un disco de los Move. Como dando la razon a esas voz interna que les aconsejaba huir de los solos de veinte minutos, es en estas canciones, casi de broma y sin pretensiones, donde mejor funciona este disco de los Move. Justo al contrario que en la siguiente cancion, que no es otra que "The words of Aaron", una compleja obra de Lyne, donde integra dos canciones en una misma composicion (mas Zombies que de Beatles, aunque quiza seria mas precioso decir mas Argent). Para finalizar el disco "My Marge", compuesta po Lyne y Wood, rinde tributo a las canciones de cabaret (Wood retomaria alguna composicion similar en su carrera en solitario). Intrascendente y corta, pero divertida.

Extras: Lo mejor del disco, ya que son los singles que no se incluyeron en el album. En "Tonight" Wood se inventa el solito el glam rock. Una deliciosa cancion, que al principio es muy suave, a lo Buddy Holly, hasta que entra ese ritmico estribillo (grande Bevan) y unas guitarras electricas. La parte que Wood canta con voz rasgada, a lo vocalista de hard rock, es tambien un acierto. Los agudos en falsete que mete Wood despues de cada estribillo me recuerdan mucho al timbre de voz de Bowie, por cierto.
"Chinatown" es tambien de Wood. Otro divertimento glitter con toques orientales como promete el titulo. Buenisima. Wood se recupera de los bodriazos que ha metido en el disco (exceptuando la divertida cancion a lo Cash). Lyne le sigue el juego con "Down on the bay" como esas canciones con riff a lo Chuck Berry de los Status Quo y "Do ya" de lo mejor que jamas ha compuesto Jeff Lyne. Un himno rockero que puede llevarnos a Free, Kiss, Mott The Hoople o Thin Lizzy.
Y para seguir con la fiesta (vaya cinco canciones seguidas, con esta, pardiez) "California man" de Wood. Se suele decir que esta inspirada en Jerry Lee Lewis, pero a mi me recuerda mas a Little Richard por su fiereza y la ronca voz con que Wood la interpreta. Tambien de regalo, "Don´t mess me up" a capella, "Do ya" en vivo y "The words of Aaron" con una pequeña coda a lo Beatles.

ENLACE DE DESCARGA:
http://www.badongo.com/file/5191282

Appaloosa "Appaloosa"

Ya que he hablado de Kooper como productor, he decidido comentar la que para mi es, no se si su mejor produccion, pero si el disco que mas me gusta de los que participo detras de los controles. Detalle este, el de productor, que le acerca aun mas a la comparacion que trace con Todd Rundgren. Aunque a diferencia de este, Kooper no es intrusivo con el sonido del grupo. Cantidad de grupos que han trabajado con Rundgren, se quejan de su excesiva mano en el estudio, cual si un Phil Spector moderno se tratase. A pesar de todas esas quejas, los discos que les produce Todd suelen ser los mejores en las carreras de los grupos con que trabaja (Meat Loaf, XTC o New York Dolls).

Compre este disco no por la participacion en la produccion de Kooper, sino por un dato aun mas desconcertante: la participacion en los arreglos de Charlie Calello (que como ya he dicho, trabajo con Kooper o Laura Nyro, entre otros). Asi, una decision alocada, me llevo a adquirir este disco que me maravillo cuando lo escuche atentamente.

Con estos datos, produccion de Kooper y arreglos de Calello, puede parecer que el disco sea solo reseñable por su participacion. En absoluto, es este uno de mis discos favoritos por meritos propios.

Buscando la portada del album para subirla a la entrada, he encontrado una pagina donde hablan del disco. La primera entrada describe, aunque sea de manera abstracta, tan bien el contenido del disco, que me he decidido a plagiarla:

No hace mucho calor, estas descansando tranquilamente en una canoa en medio de un estanque dorado, el agua esta muy tranquila, solo se oye un leve cantar de pajarillos como de fondo, las altas copas de los arboles detienen los rayos directos del sol, y se observa un maravilloso paisaje de primavera difuminado. En ese instante el tiempo se detiene. Así te puede llegar hacer sentir Appaloosa.

Por indefinida que parezca tal definicion, algo en la musica de este album nos remite a paisajes abiertos, a la belleza sin manipular de la naturaleza (me ahorrare el lugar comun de añadir "salvaje"). En concreto hay una cancion a la que va ligada esta definicion, me refiero a "Glossolalia". Del disco extraigo un sentimiento de plenitud similar al de la escucha del preludio de la mañana del "Peer Gynt"de Grieg.. Ese sentimiento de plenitud que se huele en el aire del comienzo de la primavera o de un suave verano. Hay otros dos discos que me envuelven en estados similares, "Pet Sounds" y "Forever changes", pero en estos dos albumes, la plenitud viene acompañada de un sentimiento de fatalidad, de que esos instantes jamas se repetiran, de que jamas habra momentos tan algidos en nuestra vida como esos que estamos viviendo y sabemos tienen fecha de caducidad. En "Appaloosa" hay una ligera carga de melancolia, pero es mucho mas inocente (quiza por la bisoñez de los componentes de Appaloosa) que en los discos de Brian Wilson y Love, mencionados.
Remitiendome de nuevo a la definicion plagiada, es curioso como un "extraño" puede definir de manera tan precisa sus sensaciones. Este verano escuchaba yo este disco al aire libre, al atardecer, mientras miraba los ultimos rayos de sol a traves de las copas de los arboles, contemplando algo tan bonito, tan a nuestro alcance, que sin embargo pasa desapercibido para nosotros, si no te tomas la molestia de observarlo. Sintiendo lo pequeños que solos, los seres humanos, ante la miriada de belleza que nos ofrece la naturaleza, pero a su vez, sabiendo, que es importante que la contemplenos. Para mejor comprension de esto que acabo de intentar explicar, citare la letra de "Astros" de Lluis Llach:

Nacen los astros con el primer latido de tu corazón.

Nacen las alboradas cuando con tus ojos abres la luz.

Nace la primavera para el gozo de tu cuerpo.

Nacen las rosas para que tus dedos persigan colores.

Porque en el gesto del universo

Aprendes la fragilidad de tu cuerpo,

Olvidas que el universo es solamente si tú eres

La formacion esta compuesta por cuatro chavales, cuya corta edad (entre diecisiete y diecinueve años) solo me provoca envidia, ante el enorme talento que atesoran. Su musica se ha catalogado como baroque folk. Es decir, folk con arreglos orquestales e incursiones en la musica clasica. Pero cuidado en el punto de los arreglos, en la contraportada del album, firmada por el propio Al Kooper, nos comenta que los instrumentos de cuerda estan tocados por Robin Batteau (violin) y Gene Rosov (chelo) y que no hay ningun overdub. "Cuando escuchas cuerdas, solo hay dos cuerdas tocando en todo el disco. La ilusion de escuchar veinte o treinta es consecuencia de su consumada tecnica". Aparte de estos dos chavales, el grupo lo forman, John Parker Compton (cantante, compositor y guitarrista) y David Reiser (bajista y percusionista). Aparte, Al Kooper añade diversos instrumentos a las canciones (piano electrico, organo, clavicordio electrico, vibrafono, guitarras electricas y arreglos de cuerda) y algun miembro de Blood Sweat & Tears (por entonces formacion donde estaba integrado Kooper) metiendo bateria, saxo y alguna cosilla mas. En las preciosa "Tulu Rogers"(!menudo estribillo!) y "Pascal´s paradox", que abren cada cara del album es en las unicas canciones que no reciben ayudas externas.

En la misma pagina donde encontre esa opinion citada, habia otras mas. Un comentario se quejaba del excesivo parecido del album con la musica de Donovan. Me parece una comparacion muy superficial. La musica de Appaloosa es a la vez, mas enraizada en lo tradicional y mas avanzada a un mismo tiempo. Otro participante, menciona a Pentagle y Nick Drake, subrayando que son mas psicodelicos y menos celtas. Pudieran ser el otro lado del espejo de Fairport Convention (ya que estos empezaron tocando folk norteamericano antes de descubrir sus propias raices celtas), ya que suenan a una mezcla de folk britanico y del norte de America.

Una extraña cadencia ritmica (como si un percusionista de jazz diera golpes con las manos para completar sus frases), el sonido poco convencional de un clavicordio electrico y un saxo alto tejen una atmosfera juglaresca (y esos violines no tienen influencia alguna del country) en "Thoughts of Polly"."Bi-weekly" es una de las dos piezas orquestadas por Calello, donde Kooper toca el organo (precioso su toque al inicio de la cancion). Y ese delicioso estribillo, lleno de alegria de vivir "Everything comes so nice and easy". Precede la hechizante "Glossolalia", que comienza con sonidos incidentales (el canto de unos pajaros) para pasar a introducir la suave voz de John Compton. Me encanta ese vibrafono (Kooper) que produce un ligero toque oriental, cuando canta "All she needs is spend some time...alone". En contraste con otras interpretaciones de Compton, mas distantes, aqui su voz parece mas emocionada. "Rivers run to the sea" tiene una base ritmica que parece que de cabriolas, que se detiene en el estribillo, para volver a la carga tras este. Y ese final con la bateria que trae el sonido de las gotas de lluvia.

"Now that I want you" parece sunshine pop por su melodia y su delicada orquestacion (Calello de nuevo), si no fuera por esos cambios de ritmo con la seccion de metales que dan a la cancion un aire muy a lo Blood Sweat & Tears. Hasta Compton rasga la voz. Una de las mejores canciones del album.

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http://rapidshare.com/files/122518661/appaloosa_-_appaloosa__1969_.rar