Martin Denny

Acabo de tener una revelacion mientras escuchaba unos discos de Martin Denny (en concreto "Hypnotique"). Ya se a que echo mano Brian Wilson para filtrar la metodologia de produccion de Spector y darle un toque personal. Si, amiguinos de esto del blog, a las tecnicas del mismisimo Martin Denny. Lo habeis adivinado, que listos sois, la leche.

Me explico: Martin Denny dispone los sonidos de forma irreal, o sea, no realista. El sonido de los instrumentos, aunque parezca real, no suena tal cual serian registrados. No es que esten manipulados (distorsionados, acelerados, pasados hacia atras u otras tecnicas) es su disposicion en el espectro sonoro lo que esta modificado. Asi consigue un sonido mas limpido que el de las producciones de Spector, mas amplio y mas nitido. No es un muro de sonido, sino algo envolvente. Los elementos sonoros no se suman o acumulan como en los discos de Spector, sino que juegan y contrapuntean, tiene una relacion mas dinamica entre ellos.

Gene Clark "White Light" (1971)

Los dos primeros discos de Gene Clark en solitario que escuche fueron "White Light" (1971) y "No Other"(1974), que no podían ser más distintos. Mientras "No Other" es un disco sobreproducido, aunque Gene supo manejarse como director musical en un proyecto tan complejo, "White Light" muestra las canciones limpias de polvo y paja, en su esencia, incluso muestra su esqueleto, ya que algunas canciones parecen ser simples esbozos.

Ya en sus canciones para los Byrds había mostrado una sutileza inusitada en una persona tan joven. Si bien en los Byrds esa profundidad era mesurada por el empuje juvenil y animoso del conjunto. En solitario, Gene Clark suena más triste, menos enérgico, más desolado.

Esa desnudez le sienta bien, ya que sus construcciones armónicas y melódicas poseen unos cambios muy sutiles, como si se mostrase inspirado por los impresionistas franceses. No quiero decir que Gene Clark estuviera influido por Ravel o Debussy o que participase de sus complejas estructuras, pero por alejados que parezcan estar entre sí, tanto Clark como los músicos franceses, muestran una actitud hacia la melodía similar en sus propósitos (más que en su parecido formal): solo hacen caso a su instinto y a su oído.

En este disco la sutileza de Clark es aun más extrema, lo que nos pide también mayor esfuerzo al oyente. Puede parecer monótono en primeras escuchas, pero si nos internamos en el prestando la debida atención, la recompensa valdrá la pena. La exhibición sentimental (que no lastimera ni empalagosa) del cantante, es conmovedora y valiente. De esas que demuestran que la fuerza y la sensibilidad no pueden, sino que, tienen que ir unidas de la mano.

En este disco producido por el fenomenal guitarrista nativo americano, Jesse Davis que interpreta las guitarras eléctricas del disco (las acústicas son de Gene), podemos encontrar básicamente folk y country, sin saber dónde termina uno y empieza el otro, como vasos comunicantes. Pero son únicamente las arcillas con las que Clark construye sus canciones (como ya he dicho, Clark es un músico intuitivo) y no están exentas de "intoxicaciones" de otros estilos musicales. Como el coro góspel de "One in a hundred", mi favorita del disco junto a "1975". Con que dulzura se deslizan las cuerdas vocales de Clark sobre la melodía de "One in a hundred" con esas suaves subidas de tono donde la voz parece desvanecerse cada dos estrofas. Podría seguir cantando lo mismo durante diez minutos y no nos importaría. "For a spanish guitar" es otra magnifica canción, muy melancólica y en la mencionada "1975", Gene le da espacio a Jesse Ed Davis para que se suelte un poco con la guitarra, siendo la canción más electrificada del álbum. Este disco próximo a la sensibilidad de Nick Drake persigue y encuentra lo que Neil Young intento buscar en "Harvest" (1972) y no consiguió, perdido entre ampulosas orquestaciones que arrebataban los instantes íntimos que parecía perseguir.La edición del 2002 contiene varios extras. Una deliciosa versión acústica del clásico "Stand by me" de Leiber y Stoller para Ben E. King, dotándolo de aroma campestre (e incluso de unos bongos hippies), la única versión del álbum junto al "Tears of rage" de Dylan (pero está incluida en el material original del álbum), una mezcla distinta de "Because of you" y tres canciones inéditas.En definitiva, uno de los grandes discos de Gene Clark en solitario. Aunque a mi parecer, a pesar de la gran altura que rozo en su carrera a solas, jamás volvió a encontrar la magia que sus compañeros en los Byrds sacaban de sus canciones. Es un tópico, pero es también una tremenda realidad que dos personas (o cinco, como era el caso) trabajando en la misma dirección son mucho más que la suma de dos, o la suma de varios trabajando cada uno por su lado.

*Echadle una oreja a "Ululu" (1972), el tío no canta muy bien pero tiene un estilo muy especial como guitarrista - sin florituras, eso sí-, que también podréis comprobar en el disco con Clark, el tema que da título al disco está a la altura de lo mejor del "All things must pass" (1970) de George Harrison y el resto del disco es estilo a los tres primeros del Taj Majal.

ENLACE DE DESCARGA:

http://www.megaupload.com/es/?d=I6FA1432

Neil Diamond y el judeocristianismo

Extinto Johnny Cash, Rick Rubin ha encontrado otro viejuno al que rescatar. Manteniendo en sus producciones para Diamond, a grandes rasgos, el mismo modus operandi que con Cash, aunque sin llegar a esos extremos de desnudez, pero si rebajando la tendencia más almibarada del bueno de Neil. Ignacio Julia le dedica un articulo en el Ruta de octubre. Estando de acuerdo con las consideraciones generales que comenta Julia sobre que Diamond se mueve entre una delgada linea entre el cantautor de (buen) oficio y la horterez más inaguantable (su duo con Barbara Streissand, la banda sonora de no se que leches de una gaviota), me molesta que si un tio hace canciones buenas, deba ademas, como si fuera una revalida, mantener una actitud correcta (es decir, incorrecta como mandan los canones del rock) para ser bien visto por la parroquia rockera. Es como si en el instituto un chaval no tuviera suficiente con sacar buenas notas, sino que ademas tuviera que vestir de empollon y comportarse de determinada manera.

De todo eso tiene la culpa el maldito Dylan, el mayor timo que os han metido a los fans de la musica que profesais querencia por el segundo mesias judio. Ese tipejo que se subio al carro del folk por hacerse un nombre y ganarse el pan, ha determinado la manera en que los criticos y los fans ven la musica. Da igual si eres un muermo, pero si escribes letrajas que nadie entiende y perseveras, seras un tipo respetable. Solo hay que fijarse en como ha pasado Pete Seeger a la historia como un villano por aquella anecdota (encima falsa) de que intento cortarle los cables de los amplificadores con un hacha en la famosa actuacion del festival folk de Newport. Aunque fuera cierto que Seeger hubiera intentado sabotear la actuacion de Dylan, hay dos cosas que nadie tiene en cuenta: a) verbigracia, un cruce de cables lo puede tener cualquiera b) si a Dylan se le contrato para una actuacion acustica y este decidio pasarse las condiciones del festival por el forro, no es extraño que algunos se cabreasen. En fin, Seeger, un tipo coherente con lo que predica en sus canciones (dejo de ser comunista a primeros de los 50, cuando viajo a Moscú y vio la realidad y en los ultimos años se ha dedicado a descontaminar el rio Hudson ) es el malo y Dylan, un aprovechado, un caradura y un pesetero, un santo. Vamos, que prima mas un acto simbolico (lo del hacha de Seeger) que el que se haya dedicado toda su vida a luchar, no por el comunismo o cualquier chorrada con que le descalificaria un triste de esos que dice que cree en el liberalismo con la misma fe estupida que otros creen en el Dios judeocristiano (o los rogelios en el comunismo, como veis, Dios es un termino intercambiable para el fanatico). No, Seeger ha luchado por los mas desfavorecidos y por que se respetase la Primera Enmienda de la Constitucion americana (esa que garantiza la libertad de expresion) y en los ultimos años, como digo, sin ser precisamente joven (rondara los 90 años si no los tiene ya) ha conseguido que el Hudson deje de ser un vertedero, lo cual redundan en una mejora de la calidad de vida de sus congeneres. En cambio, parece tener mas importancia el mito, la intencion que la realidad o los actos. Mierda judeocristiana. Maldito Dylan

Tambien sea dicho que tampoco Neil Diamond es para tanto, es bueno, tiene canciones tremendas (es mejor compositor que interprete), pero no es un genio ni nada que se le parezca. "Solitary man" es mejor en la lectura que Chris Isaak hizo en su "San Francisco Days" (¿su mejor disco?) que la original y lo mismo podriamos decir de "Sweet Caroline" en la voz de Elvis (o "And the grass won´t pay no mind") o "Girl you´ll be a woman soon" en las manos de Urge Overkill.

Entiendo que los rockerazos de la muerte que se dedican a escuchar la misma musica insipida una y otra vez, se les caiga el alma al suelo cuando escuchan una melodia bien compuesta, pero en su justa medida, colegas. Ni tanto ni tan calvo.

Brian Wilson vs Curt Boettcher

Brian Wilson

Me indigno el esnobismo de un articulo del Ruta 66 donde repasaba los proyectos musicales de Boettcher. Era muy bueno si, ¿pero a santo de que sordera venia a decir que "Present Tense" de Sagittarius era mejor que "Pet Sounds"? ¿Malditismo? ¿Ganas de epatar?


Curt Boettcher

Creo que el articulista confundio densidad sonora con complejidad (en el articulo venia a decir que el disco de Sagittarius era mucho más rico y complejo que el opus de Brian Wilson). Lo que quedo manifiesto no fueron las preferencias esteticas del critico (que es muy libre de tener las suyas, por supuesto), sino la falta alarmante de conocimientos sobre el lenguaje musical de gran parte de la critica (nacional o internacional, da igual). Era un error de novato en el caia el critico. Si, la musica de Boettcher suena generalmente mas llena que la de Brian, pero eso no quiere decir que sus estructuras musicales sean mas complejas. Esa densidad sonora a veces juega en contra de su propia musica, por ejemplo es mucho mas conmovedora esa version desnuda de "Musty dusty" aparecida en "Misty Mirage" que la del propio "Present Tense". a esa erronea opinion se ha sumado el mismo Gary Usher que trabajo con ambos musicos. Pero claro, con Boettcher era un igual, con Brian un subalterno cuya unica mision era poner letra a las composiciones del propio Brian. Asi que cuando Usher dice que Boettcher estaba a mil años de diferencia de Brian, no puedo tomarle muy en serio. Y ya que hablamos de densidad sonora, el disco de Gary Uhser de versiones orquestales de composiciones de Wilson, "Add some music", siendo disfrutable, estropicia muchas de las virtudes de tales canciones, que son mas complejas en manos de Brian, por mucho arreglo orquestal ampuloso que meta Usher. El suave equlibrio de las originales, las sensaciones sonoras de los precisos arreglos, desaparecen en esas versiones de club de la tercera edad. Muy mal, Usher. Muy mal.

Harry Nilsson y John Lennon "Pussycats" (1974)

El disco que Lennon produjo a Harry Nilsson. Aunque dista mucho de ser la obra maestra que se esperaba de ambos, ya que los dos estaban sumergidos en el famoso "lost weekend" (como se denomina a la ruptura de un año entre Yoko Ono y Lennon) y sus intereses iban más encaminados a pillarse las mayores cogorzas posibles que a llevar a buen puerto esta grabacion. El núcleo de amigotes de Lennon en ese periodo de su vida estaba compuesto por entre otros, aparte de ellos dos, de Keith Moon y Alice Cooper, con lo que os podéis hacer una idea de la pandilla de crápulas que eran.

Como digo, despertó muchas expectativas la colaboración de ambos: el genio de los Beatles junto con el que se rumoreo durante un tiempo que podría ser el quinto Beatle. Y el resultado decepciono lo que se esperaba de ellos: uno de los mejores discos de los 70. Curioso que este disco, considerado fallido, surgiera tras una llamada intempestiva telefonica de Lennon a Nilsson, consiguiendo que Nilsson se trasladase de Londres, donde se hallaba ultimando los detalles de un muy interesante proyecto (un disco de versiones de Allan Toussaint que iba a ser producido por Van Dyke Parks y contaba con la colaboracion de Dr. John), a Los Angeles, abortando de esta manera el disco de versiones en la estela de su genial disco de versiones de Randy Newman. Disco que por cierto, a pesar de que su desnudez (piano y la voz de Nilsson regrabada tantas veces como fuera necesaria) me recuerda a los sentimientos que me despierta el "Song cycle" de Van Dyke Parks. En ambos discos aparece la cancion "Vine St." de Newman.

Yo lo calificaría como una continuación (muy superior) del "Rock & roll" (1975) de Lennon (justamente la grabación que se editaría antes del disco de Nilsson). De hecho participan muchos músicos que también lo hacen en el disco de Lennon (aunque Nilsson ya había colaborado con varios de ellos anteriormente): el mismo Moon, Ringo, el guitarrista nativo americano Jesse Ed Davis, Bobbt Keys (saxofonista colaborador de los Stones), Klaus Koorman (tremendos los dos a la guitarra) e incluso un Flying Burrito: Peter Sneeky, que pone su slide. Curiosamente, las mejores canciones de este disco son las versiones. ¿Usaría este disco Lennon como banco de pruebas para lo que no puedo hacer en su disco de versiones debido al tirano Spector (que produjo "Rock & roll")? Francamente, hay canciones que podrían estar en un disco u otro, indistintamente.

Lo que más destaca del álbum es la voz de Nilsson. Sorprende porque está totalmente rota (alcohol, afonías diversas, noches durmiendo la borrachera en la playa...adiós a uno de los registros más amplios del pop, adiós). De esa cristalina y hercúlea voz de tres octavas, no queda nada. Nilsson canta aquí como una mezcla de la fuerza del Jim Morrison de "L.A. woman"(1971) y la rasposidad Joe Cocker. Bien, el disco no es "Plastic Ono Band" (1970) o "Nilsson Schimilsson" (1971) pero es un disco muy bueno.

La canción que abre, "So many rivers to cross" de Jimmy Cliff, desguaza a la original (y cualquier otra versión). La voz de Nilsson sangra (de hecho, literalmente, acabo la grabación esputando sangre de sus rotas cuerdas vocales). Esta canción desesperada toma en la interpretación de Harry un sentimiento de "me levantare por veces que me tiren al suelo". Me parece que es lo que John Lennon trató de hacer en "Walls and Bridges" (1974) (específicamente en "Nobody loves you" y no logró; la canción en la que Nilsson terminó escupiendo sangre fue ésta porque al final se manda un grito ESTREMECEDOR (ay, John Lennon, como no aprendiste para hacer lo mismo en "Nobody loves you", en todas las versiones sueltas el mismo gritito apagado) y dice algo así como que ya no tiene voz para seguir cantando. A John Lennon le gustó como quedó porque usó el arreglo de cuerdas para "#9th dream", quizá porque en la mezcla de "So many rivers to cross" quedo algo sepultado en la demás instrumentación (y sobre todo, por esa voz inhumana de Nilsson), o quizá porque aun Lennon tenía su imitación de las producciones spectorianas en una fase no tan lograda. El hecho de que la mayoría de las piezas lleven dos baterías y dos o tres guitarras nos da una pista de que Lennon quería reproducir las técnicas de Spector.

El asunto es el final de la canción, el quid de la canción es el final cuando viene la frase "Wandering, I am LOOOOST", en ese momento Nilsson se saca el alma del cuerpo, el grito le sale de las entrañas, vomita sus rotas cuerdas vocales y las deja desparramadas sobre el micrófono. PERO, no sólo hace eso, y eso es lo que termina por hacer magistral su versión, recoge sus cuerdas vocales para hacer un giro melódico en la última línea de la canción. Ese es un instante único e irrepetible, uno de los grandes momentos de la música.

Otra versión que nos hace olvidar la original es la del "Subterranean homesick blues" de Dylan, convertido en un boogie salvaje y con mas suciedad y electricidad que la del puñetero sonido mercurial (¿?) que quiso conseguir Dylan para su trilogía eléctrica de los sesenta. La voz de Nilsson aquí suena más similar a la que exhibió en discos anteriores, quizá es porque esta mas escondida en la densa mezcla, ya que cuando la alza, muestra de nuevo, mayor rugosidad que antaño. "Don´t forget me" del propio Nilsson es una de sus clásicas baladas, que antaño sonaban a crooner perdido en la noche de los tiempos y con su nueva voz suenan mas desesperanzadas que nunca. Tiene un hermoso arreglo de cuerdas del propio Nilsson, tan bonito como el de "So many rivers to cross" pero mas clasicote. Aparte de las cuerdas el único instrumento que suena es un piano tocado por Harry. La siguiente canción de Harry es más floja, "All my life", que aun así es un interesante collage. El ritmo funky del principio, el arreglo omnipresente (demasiado) de cuerdas, la percusión de Keith Moon que da un toque campestre a la canción. Todavía más floja es "Old forgotten soldier" ya la había enmaquetado para "Nilsson Schmilsson" pero había quedado fuera del álbum. La maqueta era una grabación a capella de lo que parecía una nana. La diferencia con esta versión subyace más en el deterioro vocal de Nilsson que en que lleve un ligero acompañamiento. Parece que la este cantando un borracho en un club de jazz a altas horas de la madrugada. La voz le traiciona y cede de forma similar a lo que le ocurría a Jim Morrison en "Hyacinth house" (del citado "L.A. woman").

El álbum recupera la calidad de sus tres primeras piezas con otra versión, "Save the last dance for me", de Pomus y Shuman para los Drifters. Mentalmente comparo esta versión con la que grabo Tina Turner en el disco que le produjo (en parte) Phil Spector, "River Deep Mountain High". Esta versión de "Pussycats" es más lenta, más calmada. También esta orquestada, pero la de Tina tenía el énfasis en la sección rítmica (hasta las cuerdas tomaban un ritmo presto) y aquí se recrea en la voz rota de Nilsson (el único instrumento que marca un ritmo similar al de la pieza original es ese staccato de piano). Un critico del Rolling Stone la definio como "una dolorosa y deseperada plegaria".

"Mucho mungo/ Mt. Elga" son dos canciones unidas, la primera de Lennon y la segunda de Nilsson. A casi nadie parece gustarle, pero es de mis favoritas de entre el material original. El arreglo es impresionante y difícil de definir, no sé si son unas cuerdas haciendo glissando, una grabación variada de velocidad o varios efectos similares juntos. La canción parece deslizarse sobre ese sonido murmurante y extraño. Es algo así como lounge music enfermiza. Genial. ¡Y Keith Moon toca las congas! Lastima que la participacion de Simon y Garfunkel en esta cancion no se registrase, ya que al intentar armonizar sus voces, entraban a destiempo y acabaron enfadandose entre ellos y dando al traste la sesion.

Otra versión "Loop de loop" con los Rapsberries haciendo los coros (estaban grabando en los mismos estudios su "Starting over"), aunque escondidos entre un coro infantil. Queda curioso el contraste entre las voces nítidas de los niños y la ronca de Harry. Que Harry está seguro de sus cualidades como cantante a pesar de la ronquera, queda patente en "Black sails", una balada donde canta sobre un fondo de cuerdas. Me gusta mucho, parece como una continuación de "I´ll never leave you" y esa es una de las mejores canciones que he escuchado nunca. También me recuerda al Scott Walker mas operístico de "Tilt" (1995) o "The drift" (2006).

Para no perder la costumbre, Nilsson se merienda al sosainas de Bill Haley (¿el peor rocker de los cincuenta? !si!), convirtiendo su paliducha y estomagante "Rock around the clock" en algo rockero, en lugar del tontuelo trabalenguas de la original. La voz de Nilsson esta aun mas escondida en la mezcla que en "Subterranean homesick blues", hasta que le da para aullar con ese tono metálico que tiene ahora entre los muros de guitarras (menudo solos se marcan) se y la triple (Moon, Ringo Starr y Jim Keltner) sección rítmica. Cuando la canción parece que ha acabado, se produce un pequeño reprise aceleradísimo que debió dejar al tonto de Halley, si es que la llego a escuchar, al punto del suicidio.

Como extras incluye tomas maqueteras producidas por Lennon de "Down by the sea" que parece una canción de ese rock de los cincuenta que adaptaba ritmos latinos, con una bonita slide, un ritmo de chachachá y la voz de Nilsson escondiendo su ronquera con una interpretación lánguida, "Turn out the light" que parece un delirio hawaiano - ambas acabarían en "Duit On Mon Dei" (1975) - y "The flying saucer´s song" que no es una canción, sino una borrachera registrada en disco. Esta acabaría en "Sandman" (1975), a dúo con Joe Cocker. Amén de una versión al piano de "Save the last dance for me".

ENLACE DE DESCARGA:
http://sharebee.com/54373857

Escrito con la ayuda de Bruno Ysla Heredia.

Bruce Springsteen "The Wild, The Innocent & The E Street Shuffle" (1973)

Si alguien me pidiese elegir mi disco favorito de Springsteen, dudaría mucho entre este que nos ocupa, su segundo disco y el tercero, "Born to run" (1975). Este último es más perfecto, todas las canciones son clásicos y se escucha mejor del tirón, pero el segundo álbum tiene la mayor diversidad sonora de su carrera.

"The E street shuffle" tiene una melodía ligeramente similar a la del "Dancing on the street" de Martha & The Vandellas (o quiza "The monkey time" compuesta por Curtis Mayfield para Major Lance; estas dos canciones tienen un ritmo y una melodia muy parecidas, Laura Nyro las unio en un medley para su fantastico "Gonna take a miracle"(1971)) y se inicia con una fanfarria de trompetas que dan paso a un piano eléctrico que llena de funk la canción. En esta canción se aprecian influencias del disco de Tim Buckley, "Greetings From L.A." (1972) al que Bruce homenajeo desde el titulo de su álbum debut ("Greetings From Ashbury Park" (1973): el piano, el ritmo funk, las congas, el contenido sexual y esa coda final con un ritmo entre latino y negro. Solo teneis que comparar esa coda final con la de "Get on top" del citado disco de Buckley.

A pesar del título, la E Street Band aun no estaba compuesta. Quizá los músicos que formaron el más famoso grupo de acompañamiento (junto a los Heartbreakers de Tom Petty) de los últimos setenta, fueran más apropiados para el enfoque mas rockero que tomaría Springsteen posteriormente, pero estos que le acompañan aquí son más apropiados para esta música de ritmos más complejos. Así que se merecen ser nombrados: el batería Vini Lopez, el bajista Garry Talent, el más conocido Clarence Clemons al saxo (aquí su instrumento es más apropiado que en otros discos con Bruce) y los magníficos pianos de Danny Federeci y David Sancious. La única guitarra que suena es la que toca el propio Springsteen y curiosamente, tiene una presencia muy discreta en todo el disco.

Rebajado a veces como un mero epígono de Bob Dylan, más bien debido a que el músico italoamericano ocupo en la década de los ochenta el papel que Dylan tuvo en los sesenta en la sociedad americana, "4th of July, Ashbury Park (Sandy)" me recuerda mucho más a un Tom Waits que a Dylan. Me gusta mucho el trabajo del piano eléctrico en esta canción de Sancious y el acordeón tocado por Federeci le da un cálido sabor portuario, aunque quizá sea la pieza más floja del disco. Lo mismo me sucede con "Incident on 57th street" me gustan mucho los pequeños detalles, la habilidad para colorear los fondos sonoros de Vini, el magnífico riff de bajo de Gallent y el insistente motivo de piano eléctrico, pero también la canción en si me parece muchísimo mas conseguida que "4th of July". Canciones como "4th of July", "Incident on 57th street" o "Wild Billy´s circus story", tienen a mi parecer (aparte de influencias del citado Waits) más del Van Morrison de "Cypruss avenue" o "Madame George", de ese tipo de canciones-retrato del irlandes, que del omnipresente Dylan. Lo de Waits puede ser mas bien que ambos usan un cierto ambiente cinematico, más que una influencia directa, ya que la trilogia de Waits a la que me recuerdan estas canciones, se edito posteriormente -la formada por "Small change" (1976), "Foreign Affairs" (1977) y "Blue Valentine" (1979)-

Más sabor latino en "Kitty´s back" la canción que Phil Lynnot plagiaria en su "The boys are back in town". Es la cancion con mas presencia guitarrera, con esa introduccion de Bruce, para tomar un ritmo mas calido con el piano electrico de Sancious. El duelo entre guitarra y saxo esta muy bien resuelto. Una de las mejores canciones de la carrera de Springsteen. "Wild Billy´s circus story" es otra cancion bajo la influencia de Tom Waits (esa tuba y el acordeon del inicio). Los instrumentos en esta cancion parecen ser una suerte de sonido verite que tratan de acompañar sonoramente la narracion de Springsteen, mas que tocar unos motivos musicales estructurados. Esto tambien le acerca a Waits. Hay muchos bonitos detalles en la cancion, esa preciosa guitarra acustica tras el ritmo a lo Gene Kupra de Lopez (cuando Bruce canta eso de "And the ringmaster gets the crowd to count along: 95, 96, 97") o el lirico solo de clarinete que le precede. Una de las canciones menos valoradas del musico. Una de las canciones menos valoradas del músico. "Rosalita" es tan divertida y buena como "Kity´s back", aunque el sabor latino de "Rosalita" es fronterizo (mexicano).

Al primer aficionado al que le vi relacionar "New York city serenade" con Gershwin fue a mi colaborador (y amigo, ojo) Aliaz. Lo había leído antes, en una reseña de un crítico, pero sé a ciencia cierta (por edad) que el pequeño Aliaz lo había deducido por sí solo. El piano del principio es muy elocuente en ese sentido, parece escapado de "Rhapsody in blue" (o del inicio de "Piano concerto num. 1" de Tchaikowsky). Es esta quizá la pieza más compleja que ha escrito jamás Springsteen (!y la única con acompañamiento orquestal!) junto a "Born to run", pero esta mas bien debido a lo compleja de la producción y los detalles sonoros. Es decir, tiene "mas sonidos", un muro de sonido mitad Spector mitad Roy Wood, pero "New York city serenade" es su "Good vibrations" o su "The end", una suite construida a partir de varias canciones unidas. Tras ese épico inicio de piano, toma un caracter mas intimo, más de jazz (como Gershwin, combinando musica clasica con jazz), creciendo hasta un crescendo ribeteado por secciones de cuerda. Bruce canta aquí muy contenido, como un Lou Reed rural (alternado con momentos poseídos por la poderosa mística arcana de Van Morrison), hasta que entra esa parte gospel de "She won´t take the train" con coros y palmadas, que contrasta con la densidad sonora que vendrá antes y después.

Es un disco aconsejado para los que piensan que Bruce Springsteen siempre ha repetido el mismo sonido y le han despreciado por esto. Si es cierto que en los últimos ochenta creó un estereotipo bastante cargante y su masiva presencia en los medios llego a ser cansina, pero aquí no hay nada de eso. La riqueza de los arreglos del disco añade mucho encanto a sus melodías, buenas, pero algo convencionales, de hecho Springsteen compone mejores ritmos que melodías. Estas, máxime en los tempos lentos, si no están aderezadas por un ritmo vibrante, son muy monótonas. Posteriormente, esta deficiencia se incrementaría progresivamente según vaya dejando atrás todo indicio de sutilidad para convertirse en un rockero monolítico. Son solo siete canciones, pero seis de ellas son impresionantes.

ENLACE DE DESCARGA:

http://rapidshare.com/files/53269556/springsteen.wild.innocent.by.fantasmavelez.rar

http://rs178.rapidshare.com/files/63967186/Bruce_Springsteen_-_The_Wild__The_Innocent___The_E_Street_Shuffle_Outtakes.zip (Outtakes del album)

Sueños recurrentes

Tengo un sueño recurrente. Bueno, tengo varios sueños recurrentes, pero en concreto quería hablar de uno. En realidad no se si se trata de un sueño o de un recuerdo que se me presenta en un estado de duermevela. Es una escena tan cotidiana que bien podría ser un recuerdo: mi abuelo me lleva de su mano por el barrio donde vivíamos (la Pau) y esta amaneciendo. Es uno de esos días tan mediterráneos donde amanece un cielo ligeramente nublado, aunque es primavera y sabes que va a ser un día soleado. La luz tiene ese color anaranjado que contrasta contra el gris. En el sueño ese color anaranjado es más prominente, como si viese la escena a través de un cristal tintado de ese color. El barrio es ligeramente diferente a como es ahora, no solo porque lo arreglaron en la Barcelona pre olímpica, sino a que en el sueño no recuerdo como están situadas las calles tal como son realmente, ya que las debo mezclar con otros recuerdos de infancia. Es una escena inmóvil, pero para mí tiene el poder conmovedor de los placeres sencillos: ir de la mano de tu abuelo en un día que nace.

El sueño tiene sonido, sonido de la calle, música de tiovivo y de silbato de afilador. Quizá este/estaba puesto una atracción de caballitos en la feria que ponían en la plaza del barrio cuando eran las pertinentes fiestas del lugar. Quizá para una feria la canción más apropiada sea "Je n'en connais pas la fin" de Edith Piaf, pero a mí me recuerda a otro ilustre francés, Achilles Debussy, en concreto a su pieza "Le prélude à l'après-midi d'un faune". Esa encantadora melodía de flauta siempre me ha recordado a la inconfundible melodía del de afilador tocada a menor velocidad y en un tono más lirico.