Colonialismo musical, el mal español y otras vainas

"Como andróginos violentados, separados en dos mitades que desde entonces se buscan eternamente"

Así define un portugués la canción "Pedaço de mim" de Chico Buarque y Zizi Possi. Que puñetera habilidad tienen los portugueses y brasileños de convertir la melancolía en un estado de belleza absoluta, con una languidez, que como mediterráneo, aprecio especialmente. Me recuerda por su sentimentalismo, entre épico y intimo, a los amantes separados por océanos vacios de "Song to the siren" de Tim Buckley. Casualmente, ayer escuche una entrevista radiofónica a Jorge Martínez (Ilegales) donde tras reivindicar las bondades del castellano como lengua musical, añadía "pero el idioma más musical del mundo es el portugués". No le falta razón al asturiano.

Esto me sirve de introducción para iniciar mi enésima vendetta contra esa suerte de colonialismo musical anglosajón. Bien es cierto que los anglocabrones han hecho grandes cosas en la música, pero esto también ha traído consecuencias funestas: a) esa mentalidad colonialista de quitarle importancia al resto de las músicas del mundo b) el vendernos absolutamente toda su música como una genialidad absoluta. Cuando la mejor música que ha salido de allí es debido casi al azar (considerando como tal, para no meternos en berenjenales diversos, al hecho de que los esclavos africanos interactuasen con la música occidental). No es que los anglosajones hagan mal al defender lo suyo, mas nos valdría tomar su ejemplo (o el francés), pero sí que es cierto que una persona que se dedique a difundir la música, después de escuchar esa canción de Buarque, no puede seguir manteniendo, por mera honestidad, que Dylan o Hank Williams son grandes compositores. Diréis que son comparaciones que no vienen al caso, que son mundos distintos, que los gustos son como los culos; todo el mundo tiene uno (si, pero no es lo mismo el culo de Jennifer Lopez que el de las marus del barrio, ¿verdad?), pero si es lo mismo en parte: es música. Y todo ese mito alrededor de ciertos elementos populares americanos está destinado con el hecho de vender discos, revistas y todo lo que puedan.La mayor parte de la música folclórica (blanca) americana tiene un valor meramente coyuntural, como medio de transmisión cultural y comunicación popular. Ni más ni menos. Es decir, cuenta mas lo que dicen que los valores intrínsecos musicales. Cierta música popular adquiere más valor por su expresividad (es decir, que aunque no tenga gran valor musical si examinamos la pieza "sobre papel", el interprete crea una magia que va más allá de las limitaciones de la pieza) y otra si logra adquirir un valor musical por sí misma. No es extraño que un norteamericano tenga cierto cariño por sus músicas, porque son parte de su vida, pero si es menos entendible que un español considere su música autóctona como cutre y sin embargo, caiga rendido ante el country & western. Puede que sea una consideración estética, pero me temo que en la gran mayoría de los casos es un esnobismo mezclado con una triste dosis de ignorancia. Porque esa música no es suya, ni tiene recuerdos sentimentales asociados con ella (mas que los que finja o se invente). Nadie tiene que hacernos comulgar con ruedas de molino, ni lo nuestro es lo mejor por cercanía geográfica, ni lo de fuera es mejor por el mero hecho de ser exótico.

Oh, pedaço de mim (Oh, pedazo de mí)
Oh, metade afastada de mim (Oh, mitad apartada de mí)
Leva o teu olhar (Lleva tu mirada)
Que a saudade é o pior tormento (Que la “saudade” es el peor tormento)
É pior do que o esquecimento (Es peor que el olvido)
É pior do que se entrevar (Es peor que destruirse)

Oh, pedaço de mim (Oh, pedazo de mí)
Oh, metade exilada de mim (Oh, mitad exiliada de mí)
Leva os teus sinais (Lleva tus señales)
Que a saudade dói como um barco (Que la “saudade” duele como un barco)
Que aos poucos descreve um arco (Que poco a poco dibuja un arco)
E evita atracar no cais (Y evita atracar en el embarcadero)

Oh, pedaço de mim (Oh, pedazo de mí)
Oh, metade arrancada de mim (Oh, mitad arrancada de mí)
Leva o vulto teu (Lleva tu sombra)
Que a saudade é o revés de um parto (Que a “saudade” es el reves de un parto)
A saudade é arrumar o quarto (Que a “saudade” es arreglar el cuarto)
Do filho que já morreu (Del hijo que ya murió)

Oh, pedaço de mim (Oh, pedazo de mí)
Oh, metade amputada de mim (Oh, mitad amputada de mí)
Leva o que há de ti (Lleva lo que queda de ti)
Que a saudade dói latejada (Que la “saudade” es un dolor que late)
É assim como uma fisgada (Es como un calambre)
No membro que já perdi (En el miembro que ya perdi)

Oh, pedaço de mim (Oh, pedazo de mí)
Oh, metade adorada de mim (Oh, mitad adorada de mí)
Lava os olhos meus (Lava mis ojos)
Que a saudade é o pior castigo (Que la “saudade” es el peor castigo)
E eu não quero levar comigo (Y yo no quiero llevar conmigo)
A mortalha do amor (una mortaja del amor)
Adeus (Adiós)

Varios "Rockdelux Experience Pop nacional"

Este es el disco que recoge (parte) el concierto que montaron los del Rockdelux para celebrar su numero especial dedicado a los mejores discos españoles (segun su opinon, claro esta). Celebracion similar a la que hicieron para su numero 200 (este dedicado a los mejores discos extranjeros). Volvieron a contar con la direccion musical de Raul Fernandez (Refree, Helena) que vuelve a estar soberbio al dirigir a la banda y al elegir los arreglos para interpretar las canciones, aparte de hace cargo de la guitarra.

Como en el anterior concierto, se abre con jazz, esta vez con la adaptacion de "La tarara" popularizado por Camaron. Unos acordes dispersos a lo Debussy, crean un atmosfera arcana. Se incorpora una trompeta, sonando como la del Davis españolizado de "Sketches of Spain". Elena Morales, es la encargada de cantar la cancion. Tras el inutil de Coppini, llega uno de los mejores momentos del disco con Josele Santiago (Enemigos) cantando "Desde el jergon" con esa voz ronca que parece salirle de las entrañas. Si, es un lugar comun, pero esta vez es cierto. El tratamiento que le dan a la pieza, recuerda al sonido de mercurio fundido que tenia Dylan en la cabeza al grabar "Blonde on Blonde" (al menos el organo es muy del tipo de Al Kooper). Bustamente se marca un "Mundo sereno" poseido por Van Morrison y su orquesta Caledonia hace lo mismo respecto a la banda que le acompaña. Escucha como ruge el leon. "Y les robo lo mas sagrado/ Las palabras sin prisa/ El silencio del arbol/ La gota en la fuente/ Donde las cosas hablan/ Tiempo de sobra" "Donde no hay noticias de la mañana y la noche/ Solamente mañana y noche/ La luna y el sol". Mantiene el climax desaforado el gran Jorge "Ilegal" Martinez con su clasico "La casa del misterio" del primer disco de los Ilegales. Como toca la guitarra el amigo (muy bien acompañado por Raul, que se queda en un segundo plano, metiendo tremendos arpegios a lo Andy Summers), el mejor guitarrista de su quinta junto a Antonio Vega.

Vamos con lo mas discutible del disco, para quitarnos el muerto de encima: lo peor tiene nombre y apellidos, German Coppini. Ni con Golpes Bajos (esa horrible "Hansel y Gretel" con ese ritmo de caja de ritmos) ni con los pesados de Siniestro Total, ese grupo gracioso que no hace gracia (la letra de "Ayatollah" pretende ser graciosa y se queda en subnormal). Antonio Luque en su linea, inoperante y aburrido. Tampoco Jaime Urrutia esta muy alla, cantando "Cuatro rosas" de sus Gabinete Caligari. De las figuras del pop español, es la que menos en forma demuestra estar. Incluso, J. de los Planetas, banda que no me interesa en absoluto, demuestra mayor carisma en "Segundo premio", ademas, !incluso se le entiende! Queda muy bien esa cancion con el arreglo de metales y Raul mete unas guitarras muy en la linea de la banda que interpreta. Siempre me hizo gracia esa reivindicacion de las raices españolas de los Gabinete, pero me parece que esconde mucho carton piedra y poca sustancia. Y damos por terminado el repaso con Anari, que escribe unas letras muy bonitas, pero tiene poquisima chicha musical.

Pau Riba se atreve con esa especie de marcha funebre que es "Ja s´ha mort la Besàvia" (de "Dioptria"). Un poco excesiva, pero es muy interesante, tanto el recitado de Pau, desgañitandose hacia el final, como el tenso acompañamiento de la banda. De ese acompañamiento se sirve Irantzu Valencia (La Buena Vida) para recrear "Pacífico", captando los matices de la grabacion. No es un grupo que me diga mucho, pero esta cancion es bonita. Ahora es el turno de Raimundo Amador que toca "Pasa la vida" de los Pata Negra, grupo que formo junto a su hermano. El enfoque de la banda realza la mezcla entre el swing del jazz y el sabor flamenco del original. El "Cállate niña" de los Pic-Nic comienza con las mismas notas de bajo que "Sittin´in the dock of the bay" de Otis Redding.

La traca final del disco comienza despues de la asquerosa "Ayatolah". Primero Enrique Morente, retoma de su disco junto a los Lagartija Nick, "Omega", ese homenaje de Cohen a nuestro Federico Garcia Lorca, "Pequeño vals vienes". "Soñando viejas luces de Hungría/ Por los rumores de la tarde tibia/ Viendo ovejas y lirios de nieve/ Por el silencio oscuro de tu frente". Este hombre es algo serio, es escucharle cantar (¿cantar? esto es algo mas que cantar o es que la palabra se ha desdibujado demasiado) y ponerte en contacto con una España arcana y misteriosa, que ya no existe. No la España imperial que reivindican los fascistas, ni tampoco la España de chirigota del presente que dice llamarse progresista. Una España tragica, alegre y maravillosa que estos dos frentes contrapuestos han hundido en la ignominia.
Destaco ademas, el acompañamiento de Elena Morales, haciendo las partes vocales que en el disco cantaba Estrella Morente y el recurso ingenioso y sonoramente atrayente, de meter una steel en el acompañamiento. De hecho me gusta mas esta version que la del mismo "Omega", que era un tanto aseptica.

Si Morente no ha enseñado una cara de Andalucia, la mas profunda, ahora Kiko Veneno nos muestra la mas desenfadada y no menos genial, con ese cancion enorme de los Veneno, para la que se reune con Raimundo Amador (solo se acompañan de sus guitarras en esta pieza), titulada "Los delincuentes", con ese swing tan suyo. Y esa simpatica letra, mezcla de conocimiento humano, ternura y picaresca: "Me junto con toda clase de delincuentes/ Y a veces comen en frio y otras en caliente/ Roban todos los dias dos coches/ Uno por la mañana y otro por la noche/ Me es muy familiar su ternura/ La facilidad con que divisan la basura" y ese estribillo entre surrealista y popular de "Me quiero asegurar/ Que mi sombrero esta bien roto/ Y los rayos pueden entrar en mi cabeza/ Te quiero conquistar/Con el suave viento, gratis y fresco/ De mi abanico de cristal". Kiko no se marcha, aun le queda tiempo para hacer doblete con "Joselito" de su "Echate un cantecito", el disco que le devolvio al mundo de los vivos tras unos años muy poco inspirados. "Siete novias tuve/ Mas novias que un moro/ Me salieron malas, malas/ Y a las siete abandone". Y para terminar de rematar, en un dificil papel (por ser el broche, por actuar despues de un Kiko magnetico, por su ambicion de hacer un "Cadillac solitario" "como Elvis lo hubiera cantado en Las Vegas" en sus propias palabras), que resuelve a su favor, Loquillo con "Cadillac solitario" de los Trogloditas. En una version capaz de rivalizar con la tremenda lectura que aparecia en su disco en directo.

Nazz "Nazz" (1968)

Para hablar de Nazz, debo meteros en vuestra mollera lo que significa para mi el power pop. Una mierdecita en lineas generales. Me encanta el pop y me encanta el rock, asi que supuestamente no habria problema con una serie de agrupaciones que se quedaran a medio camino de ambos. Pero existe y el fundamental trafago que encuentro, precisamente, es ese establecerse en tierra de nadie. Ya he comentado que me gusta el pop que no descuida el tratamiento ritmico, ya que una cadencia ritmica puede ser mas adictiva que una melodia. Pues bien, el power pop no tiene ni el ritmo del rock (o de ese pop cuidado). Es mas, me irrita el ritmo saltarin y monotono que adopta en lineas generales: crear una cadencia ritmica rapida no significa que sea interesante. Tampoco tiene la capacidad melodica del mejor pop. Total, que se queda a medias. Y resulta formulario, ergo, aburrido.

Por suerte los Nazz vadean ese terreno pantanoso gracias a que o bien equilibran estas dos facetas, o le dan al rock o al pop por separado y sin complejos. Son el mejor grupo de power pop. Mejor que Badfinger o Rapsberries (que me gustan, pero se me hacen pesados si escucho un disco entero). Serian incluso mejores que Big Star, si no fuera por un "ligero" detalle. Los dos primeros discos de Nazz son mejores (a los puntos) que los dos primeros de Big Star, pero el "Sisters, Lovers" de Big Star contiene esa materia intangible que diferencia un gran disco de una obra maestra.

Volviendo al grupo de Todd Rundgren, lider indiscutible, ya que componia todas las canciones, y no contento con ello, las arreglaba y producia. Aparte de ser un feroz guitarrista capaz de competir con Eric Clapton y Jeff Beck sin despeinarse. Y todo ello, con diecisiete tiernos años. Una mala bestia.

Se ha tomado al grupo en ocasiones, ya sea como un mero epigono de la posterior carrera en solitario de Todd, bien como una franquicia del sonido ingles en los USA. Como si fueran la respuesta autoctona a la llamada invasion britanica, en el sector mas blues hard rock. Si, el grupo tiene influencias de las bandas inglesas (¿y quien no en esa epoca?), principalmente de Yarbirds (esa version de "Train kept a rollin´" en los extras, deudora de la version del grupo britanico por el que pasaron Jimmy Page, Bech y Clapton...que a su vez habian cogido de los hermanos Burnette, americanos ellos), Who, Beatles y Cream (como si continuasen la linea que iniciaron, para no continuar, en su "I feel free", que abria su debut). Pero no se les puede considerar una simple conjuncion de estas influencias. Su forma de interpretar esas canciones tan melodicas (al menos, la mayoria) es como si trasladasen a los surcos la dicotomia de los Who: un grupo pop en los discos y una maquina musculada de rock en directo. O como si los Who versionasen canciones de los Beatles.

Aparte de Todd, el grupo lo componen Robert Stewkey, magnifico vocalista pero sin talento alguno para la composicion, Carson Van Osten, al bajo, en la linea marcada por John Entwistle y el magnifico bateria Thom Mooney, como si Ginger Baker fuera capaz de tocar melodias con la bateria.

El disco se abre con la maravillosa "Open my eyes", que contraviniendo en parte la definicion rapida que di antes (Who-Beatles), parece una derivacion del riff de "I can´t explain" (Who) tocada por Hendrix. Mas que Beatles, las armonias y los coros suenan a Beach Boys (Todd Rundgren tenia un gusto exquisito y es un gran fan de genios tan admirados por mi como Brian Wilson o Laura Nyro). El efecto de phaser (un filtro) de la base ritmica con esas palmadas queda genial. Y el fragmento de "Can believe that is on your mind?" muestra la habilidad melodica de Todd Rundgren y la habilidad con las percusiones de Mooney, que a la vez muestra una velocidad digna de Keith Moon. El solo que precede de la guitarra de Todd, es para que Clapton dejase abandonada la guitarra. Una cancion inolvidable.

"Back of your mind" es muy Yarbirds-Cream, con una base de blues rock a la manera de los britanicos, diluida por una mayor presencia melodica. Pero esto no es power pop, tranquilos. Es hard rock. En el solo, Rundgren regraba su guitarra en dos pistas, a la manera de Cream, aunque Todd toca el doble de rapido, pero con menos precision que el britanico, lo que en lugar de convertirse en una molestia, le da un encanto impetuoso y juvenil que Clapton perdio a partir del segundo disco de los Cream. "See what you can be" tiene una melodia muy Beatle (a mi me recuerda mas a los Love, sobre todo ese estribillo atropellado a lo Arthur Lee). Todd se desvirga con el piano (instrumento que seria mas caracteristico de el que la guitarra, posteriormente) tocando algunas frases muy melodicas en el puente de la cancion. Mencionar tambien el excitante crescendo coral al final de cada verso.

"Hello it´s me" es otro clasico incontestable. Stewkey esta absolutamente genial, dando a su interpretacion juvenil (por su voz, que aun suena adolescente) unos aires tristones y melancolicos que encajan perfectamente con la letra, que tampoco es la tipica de un amor adolescente. Es algo asi como una reconciliacion amorosa o una relacion liberal ("Ire a verte de vez en cuando/ O si necesitas una razon para sonreir/ Y me quedare la noche si ves que es conveniente"). Todd demuestra por que esta por encima de pares como Beck o Clapton. Aparte que es un compositor, o por ello mismo, sabe estar quieto con su guitarra cuando la cancion lo pide. Aqui toca un vibrafono, acompañado de la percusion suave de Mooney. El crescendo entre estos dos instrumentos que estallan en ese delicioso estribillo "It´s important to me/ That you know you´re free" y ahora en falsete "Cause I never want to make a change for me". Todd vuelve a tocar el piano, destacandose como el multinstrumentista del cuarteto, dando muestras de una mayor ambicion musical, que le obligarian a abandonar el grupo.

"Wildwood blues" es un boogie a lo Cream-Yarbirds, pero mas salvaje, con una coda final donde Todd saca ruidos de su guitarra anticipandose a Robert Fripp. Las habilidades como arreglista de Todd, si necesitaran una revalida, la pasan con sobresaliente en el arreglo de cuerdas de "If that´s the way you feel", el tercer clasico del disco (los otros dos son "Open my eyes" y "Hello it´s me", obviamente). La melodia vocal, entonada a medio falsete por Stewkey es una maravilla. Y ese crescendo vocal con las cuerdas es un monumento a la belleza sonora digno del mas mayestatico Brian Wilson. La coda instrumental es tambien una delicia auditiva.

Una, aqui si, muestra de power pop podria ser "When I get my plane" que es una cancion pop embrutecida (ese puente con la guitarra de Todd echando chispas, o esa bateria a lo Keith Moon). "Lemming song" es otro boogie a lo "Wildwood blues", como en esta, lo mejor son las guitarras dobladas de Todd, como si una estuviera poseida por Clapton o Beck y la otra por Hendrix, aunque no se puede dejar de mencionar el tremendo trabajo de la base ritmica. "Crowded" es una de mis favoritas del disco, a sumar a las tres que menciona antes. Me encanta como los coros apoyan el inicio de cada verso (por ejemplo en "For you/ I´ll do anything for you").

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Caetano Veloso "Araça Azul" (1973)

Quiza no he sido demasiado habil al recomendar el homonimo disco de Veloso del 71 y mas si despues viene el disco de Ben, que es muchisimo mejor. Asi que reincido con otro disco de Veloso, a mi parecer mucho mas interesante que el anterior.

Este disco me atrajo por la definicion que de el dio un critico, Abel Fernandez: "como si juntasemos a Frank Zappa con Van Dyke Parks". Zappa me trae al pairo, pero Van Dyke Parks es un musico genial. La definicion de Abel es una chorrada. Parece que a cada musico que experimente hay que compararlo con el bigotudo, por sus santas (y hebreas) narices. Lo de Parks puede relativizarse por el uso experimental que Caetano hace aqui del folclore de su pais (como Van Dyke hizo del suyo en su "Song Cycle", yendose hasta principios de siglo XX, homenajeando a Scott Joplin o Aaron Copland), usando lo añejo como partida hacia el futuro, pero si nos ponemos asi, cualquier musico que haya jugueteado con el folclore de su pais cabria en la definicion (o sea, el 99% de los musicos de cualquier lugar). O puede que sea por las extrañas orquestaciones de algunas canciones, lo cual estaria mas acertado y daria pie a mentar a Charlie Ivers (gran influencia de Van Dyke) y a John Cage (por el uso de los fondos sonoros de Veloso, como en "In a landscape" de Cage, grabacion fundamental tambien en "Starsailor"). A mi, en este disco, Veloso parece el primo bahiano de Tim Buckley (del "Starsailor" principalmente) con un toquecito de Todd Rundgren (principalmente en una cancion) o incluso del sentir popular de nuestro Kiko Veneno (con la edad, se parecen hasta fisicamente).

Ya que hemos mencionado al bueno de Jorge Ben, el disco se abre con una pieza de un minuto, "Viola, meu Ben" cantada por Edith Oliviera con ritmos africanos, como reivindicando la presencia africana en la musica brasileña. Ahora viene esa suerte de doo wop disfuncional de "De conversa/ Cravo e canela": influencias de la misma "Starsailor" (la cancion), del "A capella" de Rundgren y los lekeitios de Mikel Laboa. La mejor version que he oido, junto a la rumbera de Bambino, del bolero gay por excelencia, "Tu me acostumbraste". Veloso comienza cantando acompañandose de una acustica de manera, digamos, normal. Tras el primer verso, la voz de Caetano parece provenir de una radio antigua, con ese sonido menos nitido de las grabaciones de los años 30, que da un encanto etereo a esas grabaciones. La voz de Veloso suena androgina, en un encantador tono melifluo (acompañado de un silbido), parece que llora. Lo cual aumenta ese ambiente enrarecido. Muy curioso ese piano que entra y se va, como si hubiera sido grabado acompañando durante toda la cancion, pero a la hora de editarla, se hubiera quitado adrede, la mayor parte de este acompañamiento.

En "Gilberto misterioso" continuan los experimentos vocales y el tono androgino, con esa introduccion de la voz de Gilberto, manteniendo las notas como si fuera la vocalista de vanguardia Patty Waters. Se sucede una especie de canto naif e infantil, como el de un niño jugando con el sonido de las palabras al pronunciarlas. El acompañamiento es espartano (percusion, guitarra acustica y poco mas). La cancion parece diluirse cuando entra un piano tocado de manera extraña: parece mas que busque las notas, que las encuentre. Veloso se pone a hacer ruidos onomatopeyicos con la voz. Al final, la cancion toma una presencia mas ritmica. "De palavra em palavra" es casi una coda de la anterior, ya que se mueve por los mismos terrenos, aunque solo contiene voces (como ocurria en "De conversa/ Cravo e canela". El delirante final, parece sacado de una pelicula de miedo, con Veloso chillando en medio de un ritual satanico.

En la definicion "De cara/ Eu quero essa mulher" cabria hasta la etiqueta de pre-punk, con esas afiladas guitarras y una base ritmica propia del hard rock o del boogie sureño mas electrificado. "Sugar cane fields forever", fijaros en el guiño al "Strawberry fields forever" de los Beatles. Si en esa pieza los Beatles tributaban los lugares de su infancia, creando una suerte de psicodelia costumbrista a tal fin, Veloso hace lo propio. Claro, que sus paisajes son distintos. Y sus recuerdos musicales tambien, de ahi esos cantos populares interpretados por Edith Oliveira, mezclandose e interrumpiendo los arreglos (un combo de swing, una suerte de zumbidos de clusters y glissandos de instrumentos de cuerda). La segunda parte de esta suite de once minutos, comienza con una guitarra acustica y una voz gravisima crea una base ritmica a base de reperit insistentemente unas onomatopeyas vocales. Caetano canta distante sobre esos sonidos. Luego entra una orquestacion. Mas que un arreglo creado ex profeso para la cancion, parece como si alguien encendiese de pronto, una radio donde estuviera sintonizada una anticuada orquesta a lo Les Baxter (otra vez los recuerdos sonoros de la niñez), que deviene en una suerte de sonido disonante a lo Ivers. Otro parte que rompe la estructura. Veloso repite insistentamente una frase, cada vez mas deprisa, hasta que irrumpe otra vez Edith Oliveira y su coro africano. Se sucede un loop orquestal, como si un disco con la musica que componia Carl Stalling para los cartoons de la Warner se quedase atrapado en la aguja.

"Julia/ Moreno" es mas formal. Una bossa con guitarras electricas. La cancion mas normal del disco. Entra muy bien despues de tanto experimento. Una envolvente orquesta nos sumerge en "Epico" en un ambiente del tipo que creaba John Barry en sus bandas sonoras para el agente 007, para detenerse sobre el sonido de un redoble insistente de tambores, sobre los que se superponen arreglos de metales . Una preciosa miniatura de cancion que parece terminar cuando va a arrancar, la titular "Araça azul" (voz y acustica unicamente) nos despide de este viaje sonoro, para dar constancia de la palabra que mas repito cuando trato de musica brasileña: saudade.

No es este un disco facil, pero sirve para aquellos que piensen que Beck o Devendra Benhard han inventado algo.

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Jorge Ben "Jorge Ben" (1969)

Para quitarnos la melancolia del disco de Veloso, nada mejor que echar mano de su paisano Jorge Ben. Jorge Ben aunque influyo a los llamados tropicalistas (Veloso, Bethania, Gilberto Gil, Os Mutantes y demas), mantiene un acercamiento mas formal al folclore brasileño. Mezclando la musica indigena con sus influencias (sesenteras) de la Costa Oeste de Estados Unidos.

En este disco echa mano del fabuloso arreglista brasileiro, Rogerio Duprat (conocido por su trabajo en Os Mutantes, entre otros), que orquesta fabulosamente las canciones. Dandolas un toque easy listening que no molesta en absoluto. Es un poco como darle la vuelta a la lounge music. Esta podria ser la vision distorsionada que tenian los norteamericanos de las musicas exoticas, a veces muy desnortada, pero muy divertida. Aqui el que da su propia version de ese exotismo chic es un brasileño.

Como Jorge Ben es negro, en lugar de los contenidos politicos de las letras de los tropicalistas, se dedica a reivindicar su cultura. "Crioula" donde narra la belleza de una mulata, hija de nobles africanos. Los silbatos de samba encajan perfectamente entre la delicada orquestacion de Duprat, manteniendo un perfecto equilibrio entre melodia y cadencia ritmica, tan propio de la musica brasileña. Los arreglos orquestales son propios de la Motown o del northern soul (ese soul a medio camino entre el de la Motown y el de Stax). De la Motown mas psicodelica del momento, la que representaria el recientemente fallecido Norman Whitfield, cuando se hizo cargo de la direccion musica de los Temptations (discos como "Masterpiece" o "All Directions"), acercandolos al funk de unos Parliamente/ Funkadelic. Pero esos arreglos contrastan con el fondo ritmico proporcionado por silbatos, maracas, berimbaus, cajones y demas elementos samberos.

En "Domingas" esos silbatos son usados de manera mas atmosferica, uno cree estar en medio de una jungla tropical. Y esos coros de voces graves y masculinas nos presentan un ritual africano en medio de esa selva. Y la preciosa voz de Jorge Ben que da la impresion de ir emocionandose en cada verso. Solo dos canciones y uno esta asombrado.
"Cadê Tereza" es mas liviana, que no peor, en la linea de canciones tan asombrosas y divertidas como "Mas, que nada" o "Pais tropical". "Barbarella" esta inspirada en la musica de la famosa pelicula protagonizada por Jane Fonda (estrenada ese mismo año), con un arreglo de Duprat de lo mas psicodelico.

"Pais tropical" no es solo una de las mejores canciones del disco, sino que fue versionada por Gal Costa (tambien versiono "Que pena", tambien de este disco). Una mezcla perfecta entre soul y calipso (y ese juego de llamada y respuesta entre Ben y el coro). Me gusta mucho el final, cuando Ben pone la voz del pato Donald. Que habilidad la de los latinos, para encajar los versos entre los complejos ritmos que tejen (por ejemplo, cuando canta eso de "Sou Flamengo e tenho uma nega chamada Tereza"). "Take it easy brother Charlie", homenaje a Ray Charles, refleja las tensiones raciales. El inicio, siguiendo con los homenajes cinematograficos, se da un aire a "In the heat of the night" (la pelicula con Sidney Potier , con musica de Quincy Jones, donde Ray Charles interpretaba la cancion principal, vaya tres gigantes que se juntaron en esa pelicula, por cierto).

En "Descobri que eu sou um anjo" mientras los fabulosos arreglos de Duprat siguen una determinada estructura ritmica y armonia, el resto de los instrumentos siguen otra. Samba psicodelica. Los arreglos de Duprat me recuerdan al trabajo de Walter Schumman en la banda sonora de la maravillosa "La noche del cazador" (1955) y mete hasta un theremin (o unas ondas Martenot) en plan "Star Trek" o "Ultimatum a la Tierra" de 1951 (banda sonora de mi querido Herrmann, donde sento las bases de estilo para usar el theremin, instrumento que se habia utilizado antes en musica de cine -por ejemplo, en "Recuerda" (1945) de Hitchcock, musica de Miklos Rozsa). Tras una cancion tan densa, contrasta la sutileza de "Quem foi que roubou a sopeira de porcelana chinesa", a voz y guitarra (acustica).

Con "Que pena" volvemos a los experimentos del tipo de "Pais tropical". Esta vez como si Jorge Ben estuviera al frente del swing de la orquesta de Count Basei o Duke Ellington. "Charles, anjo 45" fue versionada por Caetano Veloso en su disco homonimo del mismo 69. Con un sencillo acompañamiento ritmico (barimbau y silbato) y unos sonidos en segundo plano (sonidos incidentales como el sonido de las olas lamiendo la arena de la costa, gentio y tambien una especie de orquestacion lejanisima). Atentos al delirante final de extasis ritmico sambero. Para concluir con una nota cinematografica, tan recorrida aqui, podria usarse en las escenas de carnaval de "Orfeo Negro".

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Caetano Veloso "Caetano Veloso" (1971)

Cuidado con el titulo, pues Veloso grabo tres discos seguidos titulados homonimamente. Solo se distinguen por el año de edicion, la portada y obviamente, por el contenido. La portada ya choca, ¿que leches hace un brasileño tan abrigado? pues sentirse en otra dimension.

Conoci este disco gracias a Murky, que me puso en su casa la cancion que mas me gusta del disco, dedicada a su hermana,"Maria Bethania". Con ese ingenioso estribillo jugando con la pronunciacion del ingles que se te pega en la cabeza "Maria Bethania/ Please send me a letter/ I wish to know things/ Are getting better, better, Bethania" y ese final rumiante, que parece ser un mensaje codificado para su hermana, rememorando algun juego infantil que solo ellos conocian. Recurso que tambien utiliza en la melancolica pieza final "Asa branca", la unica cantada integramente en portugues. En "Little more blue" explica los motivos de su exilio, debido al ambiente politico de Brasil, aunque a lo que se dedica principalmente Veloso, es a repetir como un mantra el titulo de la cancion. Caetano se siente extraño en Londres, se dedica a pasear por Portobello, donde parece que compro las prendas que usa en la portada, para ver si avista platillos volantes por el cielo ("London, London") o lo dice a las claras en "If you hold the stone", cantando en portugues "Yo no soy de aqui/ Yo no tengo amor".

Hay toques brasileños (la percusion, la voz de Caetano) en el album, pero los criticos lo han encontrado mas parecidos con obras como "Happy Sad" de Tim Buckley o el "Blood on the tracks" de Bob Dylan. Aunque a mi parecer tiene un toque bastante mas naif que estos, menos calculado y frio. A pesar de que esta album esta acusado de cierta distonia y negatividad, sin atender que esas cualidades son las que precisamente Caetano quiere expresar con este album. Es curioso que el caracter brasileño se imponga a lo que, en principio, deberia ser un furioso alegato libertario. Mas que mala leche, el sentimiento que refleja el album es una especie de saudade a lo gonzo. Una añoranza de su pais y los suyos, desde el neblinoso Londres. El tono musical es mas minimalista que en sus discos anteriores, pero es tambien interesante. La cancion mas arreglada es "In the hot sun of a Christmas day", que no es solo una queja referida al clima de Londres, por cierto.

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Smashing Pumpkins "Siamese Dream" (1993)

Este disco gustome mucho en su dia, cuando tenia unos dieciseis años. Hacia siglos que no lo ponia y tras escucharlo atentamente (subterfugio para no tener que decir que lo escuche de casualidad en el discman mientras volvia en bus a casa), algunas canciones del disco (sobre todo, las que menos me gustaban en su dia) me han parecido una chufla y otras siguen manteniendo el tipo.

Se puede llegar al sonido del grupo de Chicago de varias comparaciones. A traves de la linea que va de Jesus & Mary Chain a My Bloody Valentine. La principal diferencia entre ambos grupos, es que Jesus & Mary Chain tocaban canciones pop y las "ensuciaban" con distorsiones, mientras que los My Bloody, trataban de hacer canciones pop a traves del ruido y la distorsion. De ambos grupos, Billy Corgan (lider de los Smashing) ha aprendido alguna que otra leccion, manteniendo un nivel intermedio: a veces satura de electricidad canciones pop y otras veces llega al lirismo a traves de masas sonoras electricas. Lo de mezclar ruido con melodia, es algo que se le daba muy bien a otro grupo capital a la hora de entender a los de Corgan: los Pixies. Las diferencias entre Pixies y Smashing estriban en que el material de partida de los Pixies era de la decada de los cincuenta (hay mucho rockabilly en la guitarra de Joey Santiago) y el de los Pumpkins es de las decadas posteriores (Beatles, Bowie, Led Zeppelin, Cheap Trick). Tambien en que desequilibran la mezcla, contrastandola mas si cabe (por ejemplo, "Silverfuck", del disco que nos ocupa).

Otras influencias que se le atribuian a Corgan, quiza mas evidentes en el debut de la banda ("Gish") como Jane´s Addiction, se deben quiza a la fijacion de ambas formaciones por los The Cure, que a un parecido real. Se rumorea, que para este disco, Corgan, que andaba fascinado por el estratosferico "Loveless" (My Bloody Valentine) y decidido que sus guitarras sonaran tan licuadas, etereas y espaciales como las de Kevin Shields. Asi que decidido grabar todos los intrumentos del disco (excepto la bateria de Jimmy Chamberlin y algun arreglo). El grupo no andaba muy estable: Chamberlin enganchado a la heroina, Corgan con sobrepeso tras una depresion que casi le lleva al suicidio y para colmo, el guitarra James Iha y la bajista D´Arcy, acababan de terminar con su relacion sentimental. Todo este amarillismo viene por si hay algun judeocristiano leyendome, de esos que creen que el verdadero arte surge del dolor o alguna mamonez de esas.

Vamos al disco, la cancion que lo abre "Cherub rock" no me gusto nunca. Muestra los tics que peor han envejecido del disco: esa irritante manera de cantar de Corgan (que a veces resulta, pero de tanto emplearla, llega a ser cansina) entre candorosa y dolida, a veces incluso en una misma frase. Y si, las guitarras suenan licuadas, como las de Kevin Shields, pero la cancion se podria sintetizar en "mucho ruido y pocas nueces". "Quiet" no es mucho mejor, pero al menos tiene un sonido de guitarras mas interesante. Estas tambien son lo mas interesante de "Rocket".

"Today" fue uno de los singles. Fue muy popular en su dia y es la mas comercial del lote (dentro del contexto musical que fue publicado) junto a "Disarm" (el otro single, vaya), pero a diferencia de esta ultima, "Today" es una coleccion de topicazos indies de mucho cuidado. La vena emo-tiva de Corgan, tan omnipresente, es un agobio a ratos. No llega al nivel de unos Radiohead (¿saben estos que hay mas estados de animo aparte del llorica?), que solo tienen un disco audible, el "Kid A", pero a ratos es molesta tambien. La explosion guitarrera tras el inicio de la cancion es de vomitar de puro cliche. "Hummer" tiene una intro guitarrera con sonoridad oriental producida por guitarras con filtros diversos, que es puro My Bloody Valentine (esas codas o intros del "Loveless"), pero a diferencia de las anteriores, es una buena cancion. Aqui la mezcla entre candor y mala leche de la voz de Corgan resulta. La parte final ("Ask yourself a question/ Anyone but me/I ain't free") si puede tener reminiscencias de los Jane´s Addiction, pero pasados por el filtro de los Cure de Robert Smith.

"Disarm" es la cancion mas ambiciosa del disco, con arreglos de cuerda, aunque menos ampulosos que los que utilizaron en la epoca los Suede de "Dog Man Star" (disco superior a este que nos ocupa), por ejemplo, en un intento de crear una balada epica para la generacion grunge. Buena cancion, que leches. El sonido licuoso de "Loveless" por fin funciona a la altura de "Soma" (ese fondo sonoro que crea esa guitarra burbujeante). Corgan se mueve mejor en los terrenos calmados. Tras la ampulosidad de "Disarm" y la cantidad de saturacion guitarrera anterior, esta cancion hechiza al oido. Mike Mills (de R.E.M.) toca el piano, por cierto. Esta cancion tambien tiene su topica explosion guitarrera, pero funciona.

"Geek U.S.A." retornan al ritmo frenetico de la cara anterior, con declinaciones hasta metaleras. Buen trabajo de Chamberlin. "Mayonaise" se deja de zarandajas, para iniciarse con un punteo limpido, como el de "Today" pero sin estropearlo luego tanto, a pesar de la ¿lo adivinais? enesima explosion guitarrera. Tiene la novedad de contrastar una parte de guitarras sucias con una guitarra acustica. No es mucho, pero no esta mal
"Spaceboy" es un remanso de tranquilidad en esta mas atmosferica cara B del album, con un mellotron que me retrotrae al Bowie de "Space oddity" (hasta en los titulos se parecen).
"Silverfuck" me sigue encantando. Grunge progresivo. Al reves que en el resto del disco, esta empieza a toda leche para derivar atmosferica. Chamberlin esta bestial: aqui si tiene un punto al bateria de Jane´s, Stephen Perkins, con ese ritmo tribal que mantiene a lo largo de casi toda la cancion. Billy Corgan canta:

I hear your winter

I hear your rain

I've failed your summer ways

And I feel no pain

Como soy yo el que escribe, esta cancion la interpreto como a mi me da la santa gana. Resulta que casualmente, retome contacto con una chavala que me gustaba mucho en el cole (en la primaria, toma ya). Casi los mismos años que llevaba sin verla, son los que tenia cuando salio este disco. Al conocer mas datos de la chica en cuestion, pensando en que quizas me desilusionaria. Todo lo contrario (a pesar de que su cabeza ha ensachado como un garbanzo metido en agua; eso se debe a que no es caucasica, sino oriental), mi infatilismo emocional que asocia belleza con virtud, se ha incrementado. Pero es que el caso de que la muchacha esta prefiera beber clavos que tener contacto conmigo (no intimo, sino ocasional), en lugar de joderme como seria logico (es uno de los dos efectos que provoco en las feminas, el otro es la mas absoluta indiferencia...aun no se cual es peor para mi ego), me da igual. Y eso lo proyecto en el verso ese de "I feel no pain" que canta Corgan

Tras una explosion electrica, la cancion vuelve a tener un claroscuro: un bajo mesmerico, sonidos de delays de guitarra a lo Jimmy Page mezclados con punteos limpios (el mejor trabajo de Corgan en todo el disco esta aqui) y Corgan, ya mas stalker entona, suavemente:

I hear you fade away

And I hear you crawl

I gave my life away

And I feel no pain

And I feel no pain

And I feel no pain

And I feel your pain

"Sweet sweet" suena a R.E.M., al menos la interpretacion de Corgan me recuerda a Stipe. Mas que en el timbre vocal, en la forma de entonar. Es casi un vals y entra de miedo, sobre todo ese estribillo de "And they all want you to change". Y para finalizar, "Luna" es como si se propusieran: "vamos a hacer una cancion de pop, sin ruidos ni leches y nos dejamos de tonterias".

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